本展ではギャラリー3にて、野田弘志の新作で284.2cm×696.8cmの風景画の大作《神仙沼 – 保木将夫氏に捧ぐ -》を発表する。そのほか、ギャラリー1では「永遠の瞬間」静物画展を開催。五味文彦、青木敏郎、小尾修らの新作8点を含む。さらに、第2回ホキ美術館プラチナ大賞の入選作品52点を、ギャラリー3、4、9にて順次紹介する。

展覧会ディレクターには、テクノロジーが人類の文化やライフスタイルをいかに変えるのか、その未来を見据えた数多くの書籍や雑誌を手がける編集者の松島倫明を迎え、「2121年 Futures In-Sight」展を開催する。 英語では優れた視力を「20/20 Vision (Sight)」と表現する。私たちの「21_21 DESIGN SIGHT」という名称は、さらにその先を見通す場でありたいという、「未来」にむけた想いからつけられた。この展覧会が始まる2021年から、ちょうど100年後……。私たちの活動の名称と同じ数字を持つ100年後の世界に想いを巡らせるところから、本展の構想は始まった。 古くから人々は、明日の天気から国の繁栄まで、まだ見ぬ先の世界を捉えるために、さまざまな予言や予測を行ってきた。近年では、情報解析や計測に関するテクノロジーの著しい進歩に伴い、より精緻な予測が可能になっているように感じられるかもしれない。しかし、そもそも「未来」は過去の延長線上にだけ存在するわけではない。 現在、私たちは、世界的なパンデミックを体験し、生活様式やコミュニティのあり方、コミュニケーションの手法などにはじまり、物事の考え方や価値観など、ありとあらゆるものが劇的に変化していく様子を目の当たりにしている。そのことは「未来」がいかに未知なるものであるかを私たちに強く実感させることとなった。 本展は「Future Compass」（未来の羅針盤）というツールをきっかけに、未来を思い描くだけでなく、現在を生きる私たちの所作や創り出すものに内在する未来への視座を、デザイナーやアーティスト、思想家、エンジニア、研究者など、多様な参加者たちとともに可視化していくことを試みる。身近な存在からまだ見ぬ他者、それらをめぐるさまざまな時間軸へ思いを馳せる中から生まれた未来にまつわる多彩な視座は、会場に集結し、繁茂する草木のごとく複数形の未来を形成していくものとなるだろう。

京都国際マンガミュージアムでは、〈縮小社会〉としての現代日本の実相と、そうした社会を生きるヒントをメッセージとして提示する企画展「縮小社会のエビデンスとメッセージ：人口・経済／医療・福祉／教育・文化／地域・国際、そしてマンガ」を開催する。 日本の人口は、2008年の1億2808万人をピークに、急速な減少に転じている。人口が縮小・高齢化し、加えて経済的な豊かさが失われるなかで、社会のさまざまな課題が噴出している。人口に見合った社会・経済・文化活動とは、どのようなものになるのだろうか。社会的・文化的活動を経済の文脈に限定せず、それがもつ個の「生」を充実させる働きをどのようにいかしていくことができるか。縮小社会のなかでの多様な動きをみわたせば、これまでとはまったく異なる発想での「生」のつむぎ方がみつかるかもしれない。 4つのセクションにわかれた本展では、8つの視点から、〈縮小社会〉の実相を示すデータ＝「エビデンス」と、そうした現実を生きるためのヒント＝「メッセージ」を提示する。

1972年にデビューし、第一線でラブストーリーを描き続けるマンガ家・くらもちふさこ。初連載となる「おしゃべり階段」や「いつもポケットにショパン」で人気を確立し、その後も「東京のカサノバ」「A-Girl」「海の天辺」など、次々とヒット作を誕生させる。1970～80年代の『別冊マーガレット』（集英社）の看板作家として活躍し、独特な画面構成で表現した繊細な心理描写や、多彩かつ最先端な表現方法は、多くのマンガ家に影響を与えた。 1994年に発表された代表作「天然コケッコー」は第20回講談社漫画賞を受賞、2010年に発表された「花に染む」は第21回手塚治虫文化賞マンガ大賞を受賞した。さらに2018年に放送されたNHK連続テレビ小説「半分、青い。」では、「いつもポケットにショパン」など実際の作品が登場して話題をよんだ。 デビュー50周年を迎える2022年に、初期から最新作まで、代表作を中心とした原画を展示し、進化し続ける画業を紹介する。

今から100年前の大正時代(1912～1926)は、わずか15年の短い年月であったが、近ごろ「大正ロマン」と呼ばれる古き良き文化や風俗が注目されている。 本展では、大正ロマンを象徴する画家・竹久夢二の芸術と自由恋愛をクローズアップしながら、同時期に花開いた抒情画、芸能、おしゃれ、文化生活を紹介。加えてこの時代を過ごした年若い女性である女学生・令嬢・モダンガールにスポットを当て、彼女たちのライフスタイルや流行風俗も振り返る。 レトロでノスタルジックな趣に留まらず、現代にも通じる魅力に満ちた、大正ロマンの世界を堪能できる展覧会。

兵庫県立美術館では、前身の兵庫県立近代美術館（1970年開館）から作品収集活動を続け、現在10,000点以上の作品を収蔵している。 本年2022年は、1年を2期にわけ、それぞれテーマを設けて展示すると同時に、8室ある展示室の1室を使用して小企画展を開催する。今回の2022年コレクション展Ⅰでは、「た・び・て・ん」と題して全体を構成し、常設展示室２とその前後の常設展示室１と３の一部を小企画「生誕100年 元永定正展 －伊賀上野から神戸、そしてニューヨークへ－」にあてている。この小企画展についても、「旅」から派生して、作者の「移動」すなわち制作地の変化と作品の関係をさぐることで、全体とのゆるやかなつながりをもたせている。また、彫刻を主に展示する常設展示室５、小磯良平記念室および金山平三記念室でも「た・び・て・ん」にちなんだ作品を展示する。 ※会期中展示替えあり（4月11日～4月22日は休室）

埼玉県立近代美術館は1982年11月3日、「開館記念展　印象派からエコール・ド・パリへ」の開幕とともに開館した。開館以来、同館は多彩な時代・ジャンルの美術や文化を紹介する独自のテーマの展覧会を多く開催。また、埼玉県ゆかりの作家の作品を核に、これまでに約3,900点を数える国内外の近現代美術の作品資料を収集し、MOMASコレクション（所蔵品展）や企画展、教育普及事業などで紹介している。調査研究や展覧会を通して収蔵作家や作品を様々な角度から捉え直すことによって、異なる作品同士が思いがけない文脈で交点を結び、コレクションは豊かにその枝葉を広げている。 本展では、2022年に開館40年を迎える埼玉県立近代美術館そのものに焦点を当てる。この美術館の原点ともいえる開館前後の活動、黒川紀章の設計による美術館建築、美術館の活動と分かち難く結びつきながら成長するコレクション、コミッションワークやプロジェクトなど、様々な視点から40年間の活動を紐解き、美術館が築いてきた土台を検証するとともに、これからの美術館を展望する。 ※会期中展示替えあり

北澤美術館は、株式会社キッツ(旧北澤バルブ)創業者北澤利男氏が長野県諏訪湖畔に開設したもので、同氏が長年にわたり収集した美術コレクションを一般に公開し、地域文化の向上に寄与している。 なかでも、エミール･ガレに代表されるフランスのアール・ヌーヴォー期のガラス工芸のコレクションは名高く、現在ではおよそ1,000点のコレクションを誇り「ガラスの美術館」として国内外に知られている。 茨城県陶芸美術館では、令和元年度にエミール・ガレの陶芸に関する企画展を開催し、ガレの創意と情熱にあふれる創造世界を紹介して好評を博すと同時に、参観者からはガラス作品展示に関する要望が挙がった。そこで、本展では、北澤美術館コレクションの中からアール・ヌーヴォーの巨匠といわれたガラス工芸家、エミール・ガレとドーム兄弟のガラス作品を紹介する。約100点にわたる北澤美術館の誇る名品を通して、両者の初期から晩年までを、技法や意匠などに分類しながら全貌を追っていく。

元永定正(（1922～2011）は、三重県阿山郡上野町（現・三重県伊賀市）に生まれ、具体美術協会を代表する作家のひとりとして世界的に知られている。そのカラフルな色彩と生命体を思わせる形態は、こどもから大人まで高い人気を誇る。 2022年は元永の生誕100年にあたる。本展では、抽象との衝撃的な出会いをはたした阪神間で生み出された初期の作品から、ニューヨークへ渡り新たな表現へと踏み出すまでの時代に焦点を絞り、元永作品の最大の特徴と言うべき「いろ」と「かたち」が生まれた背景を「旅≒移動」という観点で振り返る。また、初期の代表作と共に、これまで紹介される機会の少なかった立体作品や、国内初公開の作品を併せて紹介することで、立体・平面という区別なく自在に表現した元永の多彩な表現と、その革新性に迫る。 ※会期中展示替えあり（4月11日～4月22日は休室）

現代美術の分野で独自の視点と手法によって、実験的な創作活動を展開している7名の美術家を紹介する展覧会を開催する。 今日、人類は数々の地球規模の困難な問題に直面している。なかでも昨今のコロナ禍によって、世の中の混迷の度合いはより深まっていき、生活習慣は大きく変化し、日常生活において多くの行動が制限される中で、新しい経験のあり方が問われるようになっている。そのような状況の中で、現代美術は、人々に多様な経験の機会を提供する媒体として注目を集めている。本展の７名の作品においても、その経験の質はさまざまだ。全身の感覚を伴う身体的なもの（飯川雄大、今村源）から、瞼の内側に生起する生理的な反応へと訴えかけるもの（伊庭靖子、中原浩大、名和晃平）。あるいは、記憶や想像力を動員する思考的なもの（大岩オスカール、藤原康博）まで、それぞれが経験の多様性を示唆している。 本展は、今日の美術と人間の感覚を取り巻く状況を踏まえながら、美術家たちの進行形の状態にある先鋭的な試みに焦点を当てて紹介する。それらは、今まさに生起しつつある、リアルな世界の反映でもある。本展を通して、多くの方々に美術家たちのユニークな作品と、そこに託されたメッセージを、さまざまな感覚の交錯する場の中で体験してほしい。

『誰かに褒めてもらおうなんて気持ちで書いたものにロクナモノはないんですよ。そのことがわかるようになるまで１０年くらいかかりましたね』 50代のみつをが20代の頃の自分を振り返って言っていたことである。みつをの言葉力（ことばぢから）の原点にある考え方だ。 自分が心の底から納得しているものでないと、人の心には響かない。では、どうしたらいいのか。その言葉には苦悩があるのか？葛藤があるのか？　本当に自分の体験から出てきた言葉なのか？次々と自分を追い込んでいくしかない。 本展では、みつをの言葉の裏に隠された苦悩と葛藤を紹介する。

アーティスト・コレクティブ、Chim↑Pom（チンポム）は、独創的なアイデアと卓越した行動力で、社会に介入し、私たちの意表を突く数々のプロジェクトを手掛けてきた。作品の主題は都市、消費主義、飽食と貧困、日本社会、原爆、震災、スター像、メディア、境界、公共性など多岐にわたり、現代社会の事象や諸問題に対するメッセージ性の強い作品でありながら、その多くにはユーモアや皮肉も感じられる。 本展は、結成17周年を迎えるChim↑Pomの初期から近年までの代表作と本展のための新作を一挙に紹介する初の本格的回顧展。展示は、都市と公共性、ヒロシマ、東日本大震災などのテーマに則して構成され、作家が一貫して考察する事象を浮き彫りにしつつ、活動の全貌を検証する。一方で、創意工夫に富んだダイナミックな展示構成により、作品に新たな光を当てることを試みる。 展覧会のサブタイトル｢ハッピースプリング｣には、長引くコロナ禍においても明るい春が来ることを望み、たとえ待ちわびた春が逆境のさなかにあっても想像力を持ち続けたい、というChim↑Pomのメッセージが込められている。先行きが不透明な今日、既成概念を打ち破る彼らの力強い作品は私たちの想像力を刺激し、共により良い未来を考える道標となるだろう。

宝石の歴史は古く、古代から魔よけやお守り、地位や立場を示すシンボルとして世界中で用いられてきた。現在では、宝飾品としても広く親しまれている。 本展では、各地の博物館や、比類なきアルビオン アート・コレクションや、ヴァン クリーフ＆アーペル、ギメルなどの作品から、多種多様な宝石と、それらを使用した豪華絢爛なジュエリーを一堂に集め、科学的、文化的な切り口で紹介する。 ※展示内容変更の場合あり

2017年から開催してきた「本と美術の展覧会」シリーズ。その第4弾は、本における重要な要素である、「めくる」動作に着目し、童画家・武井武雄（1894～1983）と版画家・常田泰由（1980～）の作品を紹介する。 本は、ページをめくるごとに物語が進展する。「めくる」ための手の動きと、物語の進行は不可分な要素として私たちの意識に知らず知らずのうちに内面化されているのだろう。私たちは、少ない言葉とイメージ（絵）で展開される絵本を読む時、次の展開への期待をもってページをめくっていた／いるのではないだろうか。ページを「めくる」という動作が不可欠な本の構造は、それだけで物語を想像させてしまう力を内包しているのかもしれない。 日本において子どものための絵画を「童画」と名付け推進した武井武雄は、本にまつわる美術を多数手がけている。子ども向け絵雑誌の絵画をはじめ、本の装幀や、多様な素材と技法を駆使し、こだわりぬいて制作された刊本作品。いずれも本の内容と絵やデザインとが溶け合い一つになることが目指されている。 一方、常田泰由は、身の回りにあるかたちを見つめ、そのドローイングから版画、ペインティング、コラージュ、そして本など、多様な展開を見せている。とくに近年多数制作している本の作品は、断片的なイメージが寄せ集められ、綴じられ、そしてぱらぱらとめくられることで単一の平面作品では得られない効果を生み出している。 本展では、武井武雄と常田泰由の本の作品をはじめ、版画や水彩画、コラージュ、インスタレーションなどを展示。各展示室では作品がめくられていく映像も楽しめる。二人の作家の本と絵とを行ったり来たりしながら、本と美術、二つの接点に思いを寄せてみてほしい。 ※会期中展示替えあり

「サンセット（日没、夕暮れ）」と「サンライズ（日の出、夜明け）」。それは、毎日、誰にでも、平等におとずれる美しい自然現象。生きとし生けるものはすべて、この宇宙に流れる悠久のリズムに寄り添いながら生きている――。 「サンセット／サンライズ」の豊かさは、眠りと目覚め、終わりと始まり、死と生、闇と光など、さまざまな象徴や解釈の可能性を差し出してくれるところにある。こうした、生きる人間の儚さと強さ、相反する価値観やそのあわいなどをも表す意味の広がりは、まさしく芸術家たちの創造の問いかけと重なりあうものである。また、日没と日の出の前後に現れる薄明の神秘的な時間帯は「マジックアワー」とも呼ばれている。心が揺さぶられる魔術のような光景に立ち会う経験は、思いもかけない美術作品との出会いにどこか似ているともいえるだろう。 本展は、こうした「サンセット／サンライズ」から派生する多様なイメージを手がかりに、豊田市美術館のコレクションを紹介する試み。さらに招待作家として、愛知県にゆかりのある小林孝亘氏を迎え、静けさと強い存在感をもつその数々の作品を案内役に展覧会を構成する。

草間彌生は、幼時の幻覚や内面に湧き上がるヴィジョンなど、きわめて個人的な体験を創作の源泉としている。作品をつくることは「もっぱら自分の内面の問題」であると草間は語り、心の中におきる感動や欲求をありのままに表現してきた。そして、そうした彼女の作品には、理性中心の近代主義的な考えを批判し、無限の想像力や内的イメージに目を向けた、1920年代にフランスで興り各国へ波及した総合芸術運動であるシュルレアリスムとも相通じるものがある。 本展では、内からあふれ出すイメージの数々や心の葛藤を映し出した草間の多様な作品を紹介。創作活動を始めた頃の日本画・油彩・水彩・パステルといった様々な素材や表現技法を用いた平面作品をはじめ、有機的なフォルムの集積にイメージの連続性を見ることができる立体作品、自身の幻覚体験を基にしたインスタレーションなどを展覧。さらに、筆の動きと共に頭に浮かんでくるヴィジョンを画面上に描いた最新の大型アクリル絵画シリーズ「わが永遠の魂」を併せて展示する。 初期から現在に至るまで、ひと時も尽きることなく自己増殖する心の中のイメージが生み出す草間の豊かな創作表現を堪能できる展覧会だ。

花は古来より人々に愛され、絵画の主題としても数多く取り上げられてきた。 本展では、北斎やその門人たちの作品から、桜をはじめとした様々な花の作品約100点を展観。花見の対象とされる花、物語に登場する花、意匠として着物や道具に施される花等、生活のあらゆる場面で愛でられてきた花に関する作品を紹介する。描かれた花々を通じて、花を愛でる文化に親しみを感じてほしい。 ※会期中展示替えあり

東京都写真美術館では、約36,000点の収蔵作品(令和3年3月時点)のなかから、選び抜かれた名品を定期的に紹介するTOPコレクション展を開催してきた。本展「TOPコレクション 光のメディア」では、英語のフォトグラフ(Photograph)の語源が、「光で描く」という意味を持つことに注目し、記録性を超えて生み出される「創造性」に焦点を当てた約100点を展示する。 近代写真の父として知られる、アルフレッド・スティーグリッツをはじめとした、創造性あふれる29人のアーティストたちによる作品からは、言葉では容易に置き換えることのできない、強力なインスピレーションを感じ取ることができる。本展は、同館収蔵作品に加え、アーティストやギャラリー、コレクターが所蔵する貴重な作品を集め「光のメディア」から生まれるイメージの奥深い魅力を紹介する。

1972年に「民藝運動の西の拠点」として開館した大阪日本民芸館は、今年で50年の節目を迎える。本展ではこれを記念して、関西から沖縄までの西日本で活躍する現役の作り手、約100名の作品を一堂に紹介する。 柳宗悦らが創始した民藝運動は、彼らが見出した美の紹介を主軸に、手仕事の復権や各地の民芸館を拠点とした普及活動など多彩な広がりをみせた。その活動の一つとして早くから目指されていたのが、時代に即した新作を生み出しそれらを生活に結ぶことであった。こうした民藝運動には草創期から多くの作り手が参加し、担い手として活躍する一方で、彼らもまたその美意識を自らの制作に生かしてきた。そして現在でも、様々な立場、世代、あるいは地域性や制作の分野といった異なる状況の中で、それぞれに民藝と向き合いながら優れた品物を生み出している。　 民藝という言葉のもとに集った現代の作り手達による「今のかたち」、その多様性や魅力を150点以上の作品を通して紹介。コロナ時代の今だからこそ、西日本各地の作り手のもとへ旅をするように、現代の手仕事の数々を楽しんでほしい。

鏑木清方（1878～1972）の代表作として知られ、長きにわたり所在不明だった《築地明石町》（1927年）と、合わせて三部作となる《新富町》《浜町河岸》（どちらも1930年）は、2018年に再発見され、翌年に同館のコレクションに加わった。本展は、この三部作をはじめとする109件の日本画作品で構成する清方の大規模な回顧展となる。 浮世絵系の挿絵画家からスタートした清方は、その出自を常に意識しながら、晩年に至るまで、庶民の暮らしや文学、芸能のなかに作品の主題を求め続けた。本展では、そうした清方の関心の「変わらなさ」に注目し、いくつかのテーマに分けて作品を並列的に紹介。関東大震災と太平洋戦争を経て、人々の生活も心情も変わっていくなか、あえて不変を貫いた清方の信念と作品は、震災を経験しコロナ禍にあえぐいまの私たちに強く響くことだろう。 ※会期中一部展展示替えあり

写真発祥の地は、写真との関わりが永く、膨大な写真が堆積している。本シリーズ展は、特に初期写真に注目し、写真と資料から、近代へと推移する日本の輪郭を再構築する試みである。 約150年前に江戸時代は終焉し、日本は近代国家へ歩みを進めた。北端の港湾都市であった箱館は、江戸時代後期に幕府の拠点が置かれ、蝦夷地経営や箱館戦争、開港といった歴史事象のなかで重要な役割を担うこととなる。1869年に蝦夷地は北海道と命名され、箱館も函館に改称された。幕末期には、ロシア人より伝えられた技術を起点に写真文化が華開く。最初の写真家である木津幸吉をはじめ、田本研造、武林盛一、井田侾吉などの在住する写真家と、野口源之助やライムント・フォン・シュティルフリートら来訪する写真家たちは函館の人々や街、文化を撮影した。田本研造は、その技術を池田種之助ら弟子たちに伝え、弟子たちは函館に限らず北海道各地にその跡を残し、現代にその姿を伝えている。 本展は、幕末から明治の激動の地「はこだて（箱館・函館）」を、新たな切り口で捉え直す試みといえるだろう。

生きるうえで、社会や時代と無関係でいられる人はいないだろう。作家もまた、自らが生きる時代をとらえ、時に批評し、問いかけるような作品を生み出している。 本展では、「沖縄戦」「ベトナム戦争」「国家」そして「越境」のテーマに分け、同館がコレクションする沖縄、日本（本土）、アジアの現代美術作品から、それぞれの置かれた時代を見つめた作品を紹介する。

カラーフィールドは1950年代後半から60年代にかけてアメリカを中心に発展した抽象絵画の傾向である。大きなカンヴァス一面に色彩を用いて場（＝フィールド）を創出させることで、広がりある豊かな画面を作り出した。 本展は、このカラーフィールド作品の収集で世界的に知られるマーヴィッシュ・コレクションより、関連する作家9名に焦点をあて、1960年代以降の出色の作品を紹介する本邦初の展覧会である。彼らは、色彩と絵画の関係を各々の方法で模索し、その過程で多くの作家が独自の描画に至った。変形的な外形を持つシェイプト・カンヴァスの使用や、絵具をカンヴァスに染み込ませるステイニング技法、あるいはスプレーガンの噴霧で色を蒸着させる画法など、従来では考えの及ばなかった手法を考案し、絵画に新たな地平を切り拓いたのだ。 こうして創出された空間を満たす大画面と、そこで展開される様々な色彩についての思考は、今なお見るものの感覚や想像力を刺激してやまない。作品が体現する色の世界、その海を泳ぐ私たちは、色の波に身をまかせ、溺れ、時に抗いながら、絵画と色彩の無限の可能性に出会うだろう。色の海を泳ぎきった先には、きっと、私たち自身の中にある彩り豊かで、高潔な、けれど同時に暗く、黒いものをも包む、美しい地平を感じとっていただけるのではないだろうか。 （DIC川村記念美術館公式サイトより）

ルネ・ラリック（1860～1945）が生きた20世紀は、世界が大きく揺れ動いた時代であった。1914年に人類史上初の世界大戦が、1939年には第二次世界大戦が勃発し、多くの命が奪われた。戦争は、ラリックの創作活動にも大きな影響を及ぼした。第一次世界大戦時、閉鎖に追い込まれた工場では、実験用ガラス器具や衛生用ガラス製品の製作を要求され、作品をつくることは叶わなかった。 そのような中、ラリックは国会などの要望により、兵士や戦争孤児、そして当時流行していた感染症・結核を患った人々のため、チャリティイベント用のブローチやメダルを制作し、その売り上げが困窮者へ寄付。これらの作品は、決して煌びやかではないものの、芸術で人々の心を豊かにしたいというラリックの願いが込められている。そして第一次世界大戦終結後、ラリックは悲しみを鎮めるかのように、ガラスを使用し、教会などの祈りの場の内装を手がけた。 本展では、フランスの苦難の歴史と戦争で傷ついた人々のため、ラリックにより作られたチャリティ用のメダルやブローチ、キリストや天使をモチーフにした作品などを、祈りをテーマに紹介。新型コロナウイルスが猛威をふるうなか、21世紀を生きる私たちもまた、何かに祈り、明日に希望を見出し、今を生き抜こうとしている。どんな時にも人々の心にそっと寄り添ったラリックの作品を堪能できる。

原美術館ARCでは、「雲をつかむ：原美術館／原六郎コレクション」展を開催する。昨年の「虹をかける」に続き、今年も作品制作や鑑賞のあり方の一端を表す言葉を同館の豊かな自然環境に求め、「雲をつかむ」と題し、「原美術館コレクション」（現代美術）と「原六郎コレクション」（東洋古美術）を春夏季と秋冬季の2期に分けて展観する。 「雲をつかむ」という言葉は、「雲をつかむような話」といったように、漠然としてとらえどころのない様や、現実味のないことを意味し、少々ネガティブな印象を与える。しかし、一般的な意味・解釈から解放すれば、非現実的と思われることにあえて挑戦する姿勢や、混沌とした状況や不透明な事象から、真実らしきものや本質とみなし得るものをとらえようとする意志を表すポジティヴな言葉とみなすこともできる。 そのような「雲をつかむ」という言葉を基に現代美術ギャラリーA、B、Cに展示される作品の多くは、作家が自己や美術や社会の本質をつかもうと独自の理論・手法を編み出して制作した作品や、現実の再現ではなく概念を作品化したもの、具体的な像を結ばない抽象絵画や立体、不可解な光景が連なる多義的な写真作品など。一方、特別展示室・観海庵では、雲を描くことで場面を転換したり時の流れを表したりする日本近世絵画や、仏教絵画における雲の表現を紹介する。また、円山応挙の『淀川両岸図巻』を巻き替えながら通年で展示。本図を描くための応挙の淀川体験と意図を下図から読み解く。 原美術館ARCの広い空には、西の山の向こうから雲が現れてはかたちを変えながら流れていく。雲水を眺めながら作品の意図をつかもうと次から次へと考えを巡らせる――そんな体験ができる展覧会だ。 ※会期中展示替えあり

日本の情景を愛し、ふるさとを描き続けたマンガ家・矢口高雄。手塚治虫作品との衝撃の出会いから「マンガ家になる」という夢を抱くようになった矢口は、地元銀行に就職後、行員として働きつつも絵を描き続け、1970年にプロのマンガ家へ転向した。銀行員からの転身、30歳を超えてからの作家活動と、異色の経歴を持つ矢口の名を一躍有名にしたのが、73年に発表した『幻の怪蛇 バチヘビ』と『釣りキチ三平』だ。自身の経験や育った地域を題材に、大いなる自然と野性をダイナミックかつ緻密に描いたこれらの作品は大ヒットし、唯一無二の作風を確立した。 本展では、2020年に惜しくもこの世を去った矢口の画業50年を、躍動感あふれる数多の原画とともに紹介する。郷愁を感じさせる普遍的な日本の情景、生きものたちの命のきらめき、感情豊かな愛すべきキャラクターたち。マンガを愛し、マンガの力を信じ、描き続けた作家の迫力の手仕事を堪能できる展覧会だ。

江戸時代の画家の中で、伊藤若冲や曽我蕭白ら「奇想の画家」が人気を博している。鮮やかな色やおかしな形にあふれた若冲の絵も、蕭白の奇怪な人物画も、強烈で奇抜で、心を揺さぶる。 しかし考えてみれば、「奇想」という魅力は、「そうではないもの」、つまり「ふつう」があって初めて成り立つのかもしれない。美術はすべて「驚き」に満ちている。奇想の作品のように、呆気にとられたり気持ち悪かったりすることもあれば、きらきらした美しさにときめいたり、あるいは、穏やかな夢心地を味わえる絵もある。描き手たちは、一枚の平らな画面の上に、見た人の心をさまざまに動かすための技術や工夫を込めてきたのだ。 「奇想」への注目によって「ふつう」になってしまった江戸時代の「きれいなものづくり」だが、そこには、豊かな歴史と美の手法が生きている。そんな「ふつう」の魅力を知れば、奇想も、そして「日本美術史」という更なる広い世界も、さらに輝いて見えるだろう。 敦賀市立博物館の江戸絵画の一部は、府中市美術館の「春の江戸絵画まつり」でもたびたび紹介をしてきた作品たちだ。これらは一体どんなコレクションなのか、興味を持つ方も多いだろう。そこで本展では、その全貌を紹介する。やまと絵や円山四条派など、ひたすら美を追求した画家たちの作品によって、ひたすら美しい「非奇想」の世界に浸ることのできる機会となる。 尚、本展は2020年に新型コロナウイルス感染症の影響により途中閉幕となった展覧会を再度開催するもの。 ※会期中展示替えあり

1970年代、ニューヨークのダウンタウンを舞台に描かれたグラフィティ（落書き）に起源をもつストリートアート。当時、貧困やベトナム戦争、ギャングの抗争など社会不安の渦巻くなか、若者たちは街中の建物に社会への反発のメッセージを縦横無尽に描いた。人種差別など社会に対する「反抗の文化」と呼ばれるヒップホップ文化において、グラフィティはブレイクダンスやDJなどと共に生み出されたものだ。一大社会現象となったグラフィティの勢いはとどまることを知らず、やがて世界を席捲することになっていった。 ストリートアートの申し子・バンクシー。イギリスを拠点に活動する謎多きアーティストは、建物の壁や動物園、ホテルなどあらゆる場所に突如として現れた作品から、時に「芸術テロリスト」とも称され、今や世界的に注目を集めている。政治的なメッセージ、社会への風刺が含まれたダークユーモアな表現は大きな反響を呼び、多くのメディアに取り上げられたことから、バンクシーの名前は誰もが聞いたことがあるというように、今や時代の”ポップアイコン”となりつつある。 本展では、これまであまり注目されることのなかったグラフィティ文化の潮流や、ストリートアーティストたちによる様々な表現技法をクローズアップし、バンクシーを入口にストリートアートの本質に迫る。

日本人にとって、もてなしとはご馳走することであった。ご馳走とは文字通り、馳せ（馬を速く走らせ）走り（人が走り）、いろいろな食材を集めて客をもてなすこと。力を持つ者にとっては、その力を表すためのご馳走になるので、政治的な宴会料理は、豪華さを競うような方向に発展した。見た目は立派でも、とてもおいしいとはいえぬ料理になってしまった。 ところが、こうした宴会料理に真っ向から対立する考えを持った料理が、桃山時代、茶の湯の成立と共に現れた。それが茶の湯の「懐石」だ。懐石とは“ふところの石”。禅僧が坐禅を組む時、石を温めて懐にいだき、一時の空腹をおさえたという伝承から生まれた言葉で、お茶をおいしく頂くための簡素な料理の呼び名である。それは豪華な献立を誇るのではなく、心のこもった、おいしくて実のある新しい料理の形だった。懐石にはいくつかの特徴が挙げられる。お客様が料理を一番おいしく召し上がれるよう、出来立てを一品ずつ運ぶこと、亭主自ら給仕し楽しく主客交流すること、遠くの珍しい食材に重きを置かず身近な旬の食材を客の好みに合わせ工夫する事、最後まで頂いてもお腹に丁度良い量であること、さらに、料理にふさわしい器を楽しむことなどだ。この形をはじめたのは千利休であり、江戸時代中期頃にはさらに形式が整い、今日の懐石となっていった。 ＭＩＨＯ　ＭＵＳＥＵＭの創立者である小山美秀子は、娘時代から茶の湯の稽古をたしなみ、茶の湯は人として基本の礼法や常識を育む高度な日本文化であると考えていた。ＭＩＨＯ　ＭＵＳＥＵＭのコレクションは、茶道具から始まったのだ。 本展では同館所蔵の懐石の器から、名品を選りすぐって展観。また江戸時代の近衞家当主であり貴族として最高の茶人でもあった近衞予楽院の茶会記をもとに、当時の茶会で乾山や和ガラスの器がどのように使われていたかも紹介する。最後の展示室では、同館所蔵の大井戸茶碗「小一文字」（益田鈍翁・松永耳庵旧蔵）を初出品し、光悦や乾山の名碗と共に、茶道具の取り合わせも楽しめる。日本人の豊かな感性が生み出してきた懐石の器を存分に堪能できる展覧会。

住友コレクションは、世界的な青銅器コレクションをはじめ、中国絵画、日本の古画や工芸、西洋絵画に至るまで、幅広いジャンルの美術品が含まれている。その一角を占める近代日本画は、住友家第15代当主・住友吉左衞門友純（号春翠）を中心に集められた。これらは私的な空間で愉しまれると共に、多くは賓客をもてなす調度として邸宅内に飾られた。いずれの作品も春翠の清淡な好みが貫かれる一方で、財界を主導した住友の風格を備えたコレクションであり、個人を超えて社会的な役割を担ったコレクションといえる。 住友の日本画コレクションは、座敷飾りを意図した吉祥画や季節のうつろいを感じさせる花鳥画が多く、伝統を意識した格調高い作風がコレクションの基調になっていることは重要な特徴の一つといえるが、何よりも大阪、京都、東京の三都で活躍した画家の作品から構成されていることは見逃せない。日本経済の中心地であるこれらの都市には、近代以前からそれぞれの風土で育まれた独自の美術文化が醸成され、多様な価値観は今もなお脈々と受け継がれている。明治以降には各都市の空気を十分に吸い込んだ、ローカルカラーの強い日本画が数多く生まれ、近代日本画に豊かな展開をもたらした。 本展は同館のリニューアルオープンを記念して、日本画コレクションの全貌を展観するものである。三都の日本画を擁する住友コレクションを通じて、住友と各地域の画家との交流について紹介するとともに、日本画壇を横断的に眺め、地域に根差した日本画の魅力とその多様性を感じることができるだろう。

清里フォトアートミュージアムでは、35歳までの写真家を支援するため、毎年「ヤング・ポートフォリオ」（YP）を通して作品を公募し、購入・収蔵している。世界の35歳までの青年の作品を公募し、本年も世界27カ国、278人、7,285点の応募があった。そこから厳選された、21人による106点を展示する。 2021年度ヤング・ポートフォリオの作品募集も、コロナ禍の困難な状況下に実施した。フランスから選考委員として招聘したアントワン・ダガタは、来日は叶わなかったが、データによるジャッジに切り替え、無事に選考を終了。世界的な困難を超えてK・MoPAに結集した若手写真家の情熱が感じられる作品となっている。 同時開催として、4人の選考委員の初期作品を展示する。

吉阪隆正（1917～1980）は戦後復興期から1980年まで活躍した建築家。「考現学」の創始者として知られる今和次郎や近代建築の巨匠ル・コルビュジエに師事し、人工土地の上に住む住宅《吉阪自邸》、文部大臣芸術選奨（美術）を受賞した《ヴェネチア・ビエンナーレ日本館》、日本建築学会賞を受賞した《アテネ・フランセ》、東京都選定歴史的建造物に指定された《大学セミナー・ハウス 本館》などを手掛け、コンクリートによる彫塑的な造形を持った独特の建築で知られている。 一方で、建築だけにはおさまらない領域横断的な活動に取り組み、地球を駆け巡ったその行動力から、建築界随一のコスモポリタンと評されてきた。本展は、吉阪隆正の活動の全体像にふれる公立美術館では初の展覧会となる。

画家は様々なきっかけで人物を描き、多種多様な人物画を残してきた。人物画は風景画や静物画よりも早くから描かれてきた主題である。人物画といえば特定の人間の外観を表現した「肖像画」、人体の美しさを追求した「裸体画」が主にあげられるが、人々の日常生活を描いた「風俗画」も人物画のジャンルといえる。 本展は、同館コレクションの中から人物が描かれた作品を三つの分野に分けて展示。郷土作家の多彩な人物表現を紹介する。

この世のつらさや苦しみを享楽に転化し、ウキウキ浮かれてこの世を謳歌したいという時代の風潮を受け誕生した「浮世絵」。 その作品形態は、筆で描く肉筆画と木版画に分かれる。本展では、《花下遊楽図屏風》、《寛文美人図》、《遊楽図巻》（菱川師宣）など、肉筆浮世絵を12件展示。陶磁器は中国で作られた白い器を20件、そして高麗青磁と朝鮮時代の陶磁器を10件展示する。そのほか、アジアの仏教彫刻や岡田茂吉作品も展示する。

東京都現代美術館では、戦後美術を中心に、近代から現代に至る約5,500点の作品を収蔵している。「MOTコレクション」展では、会期ごとに様々な切口を設けて作品を展示し、現代美術の持つ魅力の発信に努めている。 本展は「光みつる庭／途切れないささやき」と題し、会場をゆったりと辿りながら多彩な作品を味わう２部構成でコレクションを紹介。複数の作家による絵画作品や、同館のコレクションの核ともいえる版画作品、舟越桂のまとまったコレクションなどがのびやかに展示される。

タワーレコードのキャンペーン「NO MUSIC, NO LIFE.」をはじめ数多くのアーティスト写真を撮影し、“音楽が聴こえてくるような躍動感あるポートレート”で写真界に新しいスタイルを打ち出したと評価される写真家、平間 至(1963～、東京在住)。 宮城県塩竈市に祖父が開業した写真館に生まれ、クラシック音楽愛好家だった祖父、父の影響で、幼少の頃から音楽に親しんでいた平間にとって強烈な原体験となったのが、小学生の頃、初めて聴いたオーケストラの生演奏だった。その衝撃は、「後から考えると“ロックに通じるグルーヴ感”だった」と言う。10代でパンクロックの洗礼を受け、写真家として独自の世界観を作り上げていく背景には、常にジャンルを超えた音楽が通奏低音として流れていた。 本展では、「写真と音楽」をテーマに平間至の名を一躍世に知らしめた《MOTOR DRIVE》をはじめ、これまでに撮影された膨大なアーティストたちのポートレート、舞踊家･田中泯の《場踊り》を追い続けたシリーズ、心象風景を内省的に表現したシリーズ《光景》、さらに2015年に開業した平間写真館TOKYOで撮影された写真など、精選された約200点により「写真と音楽」の動き出す世界へと誘う。

1974年に中国の畑で井戸を掘っていた農民が偶然みつけた兵馬俑。2000年以上前につくられた実物大の兵士や馬の陶器が大量に出土し、世界を驚かせました。その数は約8000体と推計されていますが、いまも調査は続いている。 日中国交正常化から50年となる2022年、死後の皇帝を守り続けてきた兵馬俑が来日、古代中国の歴史に焦点をあてる。 紀元前221年に中国史上初めて統一帝国を打ち立てた秦の始皇帝。その後、劉邦が創始した漢帝国は中国古代における黄金時代の一つである。本展では、秦漢両帝国の中心地域である関中（現在の陝西省）の出土品を中心に、日本初出の一級文物（最高級の貴重文物を指す中国独自の区分）を含めた約200点をダイナミックに展示。戦国時代の極小の騎馬俑が、始皇帝陵では等身大の兵馬俑となり、また漢代皇帝陵では小さな兵馬俑に変化した歴史の不思議を実際の遺物で観察することができる。また始皇帝陵や漢の皇帝陵と、エジプトのピラミッドとの類似性に注目し、衛星画像から東西の古代の陵墓の謎も探求。新たな視点も加えた興味深い展覧会となっている。

幕末から明治の佐野で活躍した画家を発掘する展覧会。 王（加藤）欽古（おう・きんこ、1830～1905）は、京都の「六角通柳馬場」の商家の次男として生まれた。四条派の画家が多く住む地域で、21歳まで独学したのち小田海僊に入門。海僊は四条派の祖・呉春に学び、中国画学習を重視する「文人画」に転じた画家である。その後欽古は西国（現・山口県ほか）遊歴・江戸滞在を経て、関東・信越を遊歴、慶応3年（1867）には田沼宿（現在の佐野市）の加藤家を相続した。当地は谷文晁系の画家がよく訪れた地域で、翌年には高久靄ガイと親交のあった葛生の吉澤家でも滞在・制作している。遊歴の一方で「第一回内国絵画共進会」（明治15年）など全国規模の美術展にも出品、受賞を重ねていく。山水・人物を得意とした欽古は、上方由来のレパートリーに関東の流行を取り入れ、地域に受け入れられた。自宅近くの西林寺では、欽古を祝う書画会が二度開かれている。 明治後半には衰退したといわれる「南画」だが、地方では長く親しまれ、近代美術への影響が近年注目されている。佐野出身の歴史画家・小堀鞆音と交流があり、岡田蘇水（文展出品）らを育てた欽古の活動は、江戸から近代への連続性を体現しつつ、同時代の田崎草雲（足利）とは異なる要素をそなえていた。 平成19年に佐野市郷土博物館で『佐野の近代日本画―小堀鞆音と王欽古』が開かれているが、美術館では初めての単独展となる。欽古の画業を知ると共に、佐野の文化的豊かさや画家と社会の関係に着目した展覧会となる。 ※会期中展示替えあり

本展は、現代日本を代表する写真家・映画監督の蜷川実花の北陸最大級の展覧会。 色彩豊かで生命力に満ちた植物をとらえた写真や、被写体となる人物の本質に迫る魅力的なポートレイト、ドラマチックな映像作品は、国内外で多くの人を魅了している蜷川。また、写真を重要な表現手段としながらも、様々な分野へと表現活動を広げ、多岐にわたる活動を精力的に展開している。 本展では、植物や人物の内に宿る生命のリアルや「今」という時代を色鮮やかに映し出した蜷川実花の代表作を紹介するとともに、映像作品を新たに発表する特別な機会となる。夢のように美しくも儚く、そして希望に満ちた蜷川実花の世界を体験できる。

田中達也は日用品とジオラマ用人形をモチーフに、日常にある物を別の物に見立てたアート作品を制作するミニチュア写真家・見立て作家。2011年からインターネット上で「MINIATURE CALENDAR」と題した写真シリーズを毎日投稿し、現在まで新作を発表し続けている。現在Instagramのフォロワーは340万人を超え、雑誌やテレビなどのメディアでも注目を集める作家だ。 本展は、全国で160万人以上を動員した「MINIATURE LIFE展 田中達也　見立ての世界」の第2弾。代表作を含む写真作品約120点と立体作品約50点を紹介し、さらにミニチュアの世界に入り込んだような写真を撮ることができるフォトスポットも特設。田中達也のユニークな作品世界の魅力や制作の秘密に迫る展覧会となる。

今も世界中で愛され続けるいたずら好きなうさぎ、ピーターラビット™。 英国の作家ビアトリクス・ポター™が、病気で寝込んだ幼い男の子のためペットのうさぎをモデルとして描いた絵手紙に始まる物語は、1902年の初出版以来多くの人々にゆかいな夢を与えてきた。 本展では、『ピーターラビットのおはなし』誕生の背景や物語の世界を、英国外初公開を含むオリジナル原画などにより紹介し、愛らしいうさぎの120回目のお誕生日をお祝いする。

20世紀最大の画家と誰もが認めるパブロ·ピカソ（1881～1973）。ピカソは、過去の芸術を吸収し、同時代の人々からインスピレーションを受けながら、常に新しく唯一無二の作品を生み出し続けた。創造力と革新性に溢れた彼の芸術は今なお私たちを魅了してやまない。 世界有数の文化施設であるイスラエル博物館（エルサレム）は、800点あまりのグラフィック作品を軸とする豊かなピカソ・コレクションを有している。本展は、同館所蔵のピカソの作品より、精選した版画作品を中心に紹介。油彩画、水彩画、素描、写真も織り交ぜ、パリに出た1900年頃から亡くなる３年前の1970年までの作品を年代順に展示し、青の時代、バラ色の時代を経て、キュビスム、新古典主義、さらにはシュルレアリスムへと向かう画風の変遷を追うとともに、版画における技術的実験の軌跡、そして生涯に繰り返し描いた主題とモチーフの変容をたどりる。古典的な表現から抽象的形態まで、自在にスタイルを変化させるピカソの驚異の創造性と創作の過程に触れる絶好の機会となる。

美学者としても知られる柳宗悦は、造形物に美が宿る原理を仏教思想に求めた。特に浄土思想は柳の思想形成に大きな影響を及ぼし、晩年の1955年には柳著作の最高傑作とも評される『南無阿弥陀仏』を上梓している。 本展は、これまでまとめて紹介されることがなかった、柳が蒐集した中世の仏教絵画が見られる貴重な機会となる。

井上悟（1931～）は、1960年東京藝術大学美術専攻科油画先行修了。在学中の1959年に国画会展新人賞を受賞した。1963年国画会会員に推挙され、1974年安井賞佳作賞を受賞、その後多くの個展を開催するなど、現代洋画界の第一線で活躍してきた。 井上の考える「美の概念」は、戦争体験を超えた想いが込められており、これが作品制作の基盤となっている。作品には、人間がどういうものか、ヨーロッパで過ごした体験を通じて人間のありようが表現されている。 本展では、独自の色彩で表した初期から近作・新作を中心とした代表作約50余点を一堂に展示。井上悟の世界が存分に楽しめる。

19世紀末から20世紀初頭のフランスで活躍した画家、アンリ・ル・シダネル（1862～1939）とアンリ・マルタン（1860～1943）に焦点をあてた、国内初の展覧会。 印象派を継承しながら、新印象主義、象徴主義など同時代の表現技法を吸収して独自の画風を確立した二人は、幻想的な主題、牧歌的な風景、身近な人々やその生活の情景を、親密な情感を込めて描いた。「最後の印象派」と言われる世代の中心的存在であった二人は、深い友情で結ばれながらも、シダネルは北フランスに特有の霞がかった柔らかな光を、マルタンは南仏の眩い光を描き、それぞれの活動拠点に由来して、異なる光の表現を追求した。 世紀末からモダニスムへ至るベル・エポック期、独自の絵画世界を展開した二人の道のりを、約75点の油彩、素描、版画を通してたどる。

人気ゲーム『ポケットモンスター』シリーズに登場するふしぎな生き物「ポケモン」にはカセキから復元されるポケモン (以下「カセキポケモン」と呼ぶ) がいくつか知られている。 この展示は、「カセキポケモン」と私たちの世界で見つかる「化石・古生物」を見比べて、似ているところや異なっているところを発見し、古生物学について楽しく学んでみようというもの。 ポケモンの世界の「カセキ博士」とお手伝いの「発掘ピカチュウ」、私たちの世界の博士たちの案内で展示をめぐり、それぞれの世界の「かせき」をじっくり見比べてみることができる。

アサヒビール大山崎山荘美術館は、1996年春に開館した。所蔵品の中核を成すのが、クロード・モネ《睡蓮》をはじめとする西洋近代絵画と、開館に際して寄贈された、朝日麦酒株式会社（現アサヒビール株式会社）初代社長・山本爲三郎による民藝運動ゆかりのコレクションである。本展では、同館のおよそ1000件の所蔵品から選出した、多彩な作家たちとその作品を紹介する。 地中館では、モネ《睡蓮》をはじめ、シニャック《ヴェネツィア》など水の情景を特集し、「地中の宝石箱」の名にふさわしい小さくも見ごたえのある空間が楽しめる。山手館は、カンディンスキー、クレーをはじめ印象派以降の主要な芸術運動に関わった作家を、本館では、生誕135年のバーナード・リーチと同じく120年のルーシー・リー、英国陶芸を代表する二人の作品をその関係性からひも解く。 美術館の庭園に花々が咲き誇る春から、池が睡蓮で満ちる初夏のころ、遺された貴重な建築物や美しい風景とともに、珠玉の逸品を堪能できる展覧会。

20世紀初頭、美術(アート)の世界は大きく変容した。常識を覆す作品が次々と現れ、美術に対する見方・価値観は大きく揺らいだ。 本展は、20世紀の絵画に多大な影響を与えたポール・セザンヌや、現代美術の父とも呼ばれるマルセル・デュシャンら巨匠に始まり、ポップアートの旗手アンディ・ウォーホル、日本を代表する現代作家である草間彌生や森村泰昌、奈良美智まで、国立国際美術館が収蔵する国内外の作家たちの名品約70点で今日までの美術の動向を辿るもの。 「現代アートが大好き」、「現代アートって何？」というどちらにも、刺激的で心地よい、100年の美術を巡る旅のような作品たちが待っている。

本展では、葛飾北斎《富嶽三十六景》と歌川広重《東海道五拾三次》の競演を通して、江戸時代の旅路の景色や自然と共生する人々の営みを紹介するとともに、明治から昭和にかけて活躍した吉田博と川瀬巴水の作品によって、風光明媚な景観や何気ない日常にあらわれる一瞬の美の諸相を展覧する。 画家たちの琴線に触れた美しく詩情あふれる風景は、私たちの日常に、旅の魅力や感動を取り戻すきっかけになるかもしれない。

スイスのジュネーブにあるプチ・パレ美術館は、工業用ゴムの製造で財を成したオスカー・ゲーズ氏によって1968年に創設された。「平和に奉仕する芸術」という理念のもとに収集されたコレクションは、19世紀後半から20世紀初頭のフランス絵画で構成されている。ゲーズ氏が亡くなった1998年以降、美術館は休館状態に入り、各国の展覧会に出品協力をしてきた。同館の所蔵品が30年ぶりにまとめて来日する本展では、65点の油彩画によってフランス近代美術の軌跡をたどる。 19世紀後半から20世紀初頭のパリでは、移ろいゆく自然を活写した印象派、科学と美術を融合させた新印象派、平坦な色面で神秘的な世界を表したナビ派、色彩の解放を謳ったフォーヴィスム、幾何学図形で画面を構成したキュビスム、個性豊かな芸術表現を開拓したエコール・ド・パリなど、様々な美術潮流が生じた。オーギュスト・ルノワール、モーリス・ドニ、ラウル・デュフィ、アンドレ・ロート、モーリス・ユトリロ、藤田嗣治ら、38作家による名品が楽しめる。

2022年、戸栗美術館は開館35周年を迎える。開館以来、陶磁器専門美術館として所蔵品によって展覧会を開催。同館の所蔵品のうち、大きな一画を占めているのが鍋島焼である。精巧に作られた磁器であり、同館創設者 戸栗亨が好んで蒐集したやきもののひとつである。 本展では、江戸時代の約200年間に及ぶ鍋島焼の歩みを、盛期を中心に、成形や装飾の技法、技術に注目して紹介。佐賀鍋島藩が威信をかけて製作した鍋島焼、約80点を展覧する。

江戸時代、京都では文人画家の池大雅や与謝蕪村、実物写生に基づく絵画で人気を博した円山応挙、蕪村と応挙に学んで叙情的な画風を確立した呉春など、個性あふれる画家が活躍した。一方大坂では、木村蒹葭堂、岡田米山人など、町人としての本業がありながら、自娯の精神による絵画を描いた文人が数多くいた。彼らは身分や職業に関わりなく、幅広い交流の輪を作った。また大坂には、円山・四条派の流れを汲む画家も多く、大坂の写生派の画家として活躍した西山芳園は、淀川の三十石舟を利用して松村景文に学ぶなど、京都と大坂は密接な関係の中で発展を遂げており、文化サロンとも言うべき濃密な文化人のネットワークが形成された。さらに、京都や大坂には他の地域から多くの文化人が集まり、浦上玉堂、田能村竹田、谷文晁らもこの文化サロンの一員であった。こうした文化人のネットワークは近代に至っても見られ、大阪で活躍した菅楯彦や北野恒富らの交流や、京都の如雲社を中心とした交流が有名である。 本展では、江戸時代から近代にかけて、京都と大坂で活躍した画家の代表的な作品を紹介するとともに、その交流によって形成された文化サロンにも焦点を当て、当時の文化交流の様相を紐解いてみるもの。本展は、大英博物館、ロンドン大学SOAS、関西大学アジア・オープン・リサーチセンター（KU-ORCAS）、京都国立近代美術館が中心となって、さまざまな専門分野の研究者と共同で行ってきた研究を基盤としたものであり、国際的な視野に立って京・大坂の美術を通覧する初めての大規模な展観となる。

アーツ・アンド・クラフツは、19世紀後半のイギリスで興った、日常生活のありとあらゆるものをめぐるデザイン運動である。この運動を先導したウィリアム・モリスは、産業革命に伴い出現した機械による劣悪な量産品、また機械のように人が働く体制を批判し、仲間たちと協力して、ものづくりの喜びにあふれた、人の手による上質で実用的な美術工芸品を生みだした。仲間たちとともに、壁紙や家具を製造する商会を設立し、有用で美しいものに囲まれた、人間らしい暮らしを提唱したのだ。モリスの思想と実践は、同時代の作家や芸術家たちに広く受け入れられ、テキスタイルや壁紙、家具など、作り手の個性と温もりを表わした多彩な作品が生みだされた。画家と建築家、陶芸家、職人などが一丸となった総合芸術の探求は、イギリスからヨーロッパ全土、またアメリカや日本にまで広がった。日常品の有用性と美しさの両立を目指したアーツ・アンド・クラフツ運動の取り組みは、モダン・デザインの原点ともいわれる。 本展では、この運動の実践者として先頭を切ったウィリアム・モリスのインテリア・デザインから、アメリカでアーツ・アンド・クラフツ運動を独自に消化した、20世紀を代表する建築家フランク・ロイド・ライトのステンド・グラスまで、約170点を展示。手間を惜しまず、高度なプリント技法が用いられたモリスの名作《いちご泥棒》や、玉虫色が美しい、独自に開発したガラスが用いられたティファニー・スタジオの卓上ランプなど、暮らしを彩る多様な作品が楽しめる。

本展は、絵画、書跡、彫刻、工芸品、歴史資料をとおして、「女性のすがた」、「思いに向き合う」、「名所に集う」、「民衆へのまなざし」の４つのテーマを設定し、人々がどのようなすがたや形、そして動きをしているか、そこからどのような思いが表現されているかを探る。新型コロナウイルスの蔓延によって人々の動きが大きく制限されるなかで、改めて人と人の交流の大切さを見直す機会となるよう約25件の名品でたどる。

明治から令和まで続く、上村松園・松篁・淳之と三代にわたる日本画家の画業を辿ると、激動の時代の中であっても、一人の作家として貫いた絵画世界からは、時代を超えて今なお強いメッセージが感じられる。 上村松篁（1902～2001）は少年時代に「道というものは生命より尊いものだ」という言葉から、自分にとっての一筋の道は絵の道だと心に決め花鳥画家を志し、制作を続けてきた。一方で自分の歩いてきた道は正しい道だったのか、思い悩む。しかし八十をすぎた頃、ある禅の老子から「道を歩くときは〝歩々清風〟の歩き方でなくてはならない」という言葉に、自分の道は少なくとも濁風は吹いていなかった、と初めて自信がわいてきたと語っている。本展は、時代に流されることなく普遍の美を追求し、独自に歩々清風の道を歩み続けた三代の画業を展覧する。

ミニマル・アートは、主に1960年代のアメリカで展開した美術の潮流である。作家の手仕事やその痕跡を廃し、工業用素材や既製品を用いて、単純で幾何学的な形やその反復から成る作品を制作した。ミニマル・アートに続いて現れ、同時代に国際的な広がりを見せたコンセプチュアル・アートは、物質的な制作物以上に、その元となるコンセプトやアイデアを重視。特定の形式に縛られることなく、言葉や印刷物、日用品、作家自身の行為、それを記録する写真や映像など、多様な媒体が用いられた。 ドロテ＆コンラート・フィッシャー夫妻は、1967年にデュッセルドルフにギャラリーを開き、こうした同時代の国際的な動向をいち早く紹介した。フィッシャー夫妻は展覧会を手掛けた作家たちの作品を収集すると共に、その制作過程に関わる書簡や指示書、ドローイングといった多彩な資料も保管していった。 本展は、故フィッシャー夫妻のコレクションを収蔵したノルトライン=ヴェストファーレン州立美術館の全面的な協力のもと、フィッシャー夫妻旧蔵の貴重な作品と資料、ならびに日本国内に所蔵される主要作品を通じて、今日のアートに大きな影響を与えたこの二つの芸術動向を振り返る。

幕末から明治時代に活躍し、「最後の浮世絵師」とも呼ばれる月岡芳年（1839～1892）の画業に焦点を当てた展覧会。 月岡芳年は天保10(1839)年、江戸の新橋に生まれた。幼い頃から画業を志し、12歳のとき、奇想の絵師と呼ばれる歌川国芳（1798～1861）に入門し、15歳の若さで画壇にデビュー。その後22歳頃から本格的に浮世絵師として活動をはじめ、54歳で没するまでの間に多くのすぐれた作品を世に送り出し続けた。その生涯で手がけた作品数は、一説には1万点にもおよぶと言われている。 芳年といえば、「英名二十八衆句」などの無惨絵に見られる、残酷な作品を思い浮かべる方も多いだろう。しかし、そうした血生臭いものは芳年が若年の頃に発表された、ごくわずかのシリーズに見られる傾向にすぎない。芳年の作品全体をとおして見ると、勇壮でスピード感あふれる武者絵、歴史画や大衆好みの巷の事件を集めた錦絵新聞の挿絵、日本近代美人画の先駆け的な要素を感じさせる美人画など、実に多種多様であることがわかる。近年では、芳年作品が持つ人物の内面性までも表現する的確な描写や、西洋画の写実性を加味し、静謐さと緊張感が高い次元で響き合う稀有な画風など、その魅力が多角的な視点から評価され、人気が再燃している。 本展では、昨今の芳年芸術への再評価の流れに鑑み、芳年の集大成的作品である「月百姿」をはじめ、「新撰東錦絵」、　「新形三十六怪撰」といった円熟期の傑作を中心に150点を展示。柔軟な発想とたくましい絵心で幕末明治の浮世絵界を駆け抜けた芳年芸術の世界が楽しめる。

名取春仙（なとり・しゅんせん、1886～1960）は、大正から昭和前期にかけて行われた新版画の出版において、歌舞伎役者や舞台俳優を描いた役者絵を手がけて人気を博した。色鮮やかで写実的な春仙の作品は、江戸時代の浮世絵の伝統を受け継ぎながらも新しい時代の表現が加わった、近代の役者絵といえる。そして役者の容貌や所作、舞台の美しさをとらえた作品は、歌舞伎の贔屓筋に愛好された。 本展では春仙の代表作である《創作版画春仙似顔集》《春仙似顔集追加》を中心に、近年同館に収蔵された春仙の役者絵全49点を一斉に展覧する。 ※会期中展示替えあり

大正時代から昭和時代のはじめにかけ、物憂げな女性像で一世を風靡した竹久夢二は、美人画作家として活躍しただけでなく、グラフィックデザインの領域でも時代を先取りする作品を多数発表していた。当時の女性たちは夢二が描いた美人に憧れ、そのイメージを装いに取り入れたり、夢二がデザインしたグッズを買い求めたりもした。 ファッションや身の回りの小物、文芸、そして音楽まで、生活の様々な場面をいろどった夢二の仕事は、蕗谷虹児や中原淳一といった後続の作家たちにも受け継がれ、女性たちの暮らしに華やぎを添えた。本展ではまず、竹久夢二の美人画のほか、書籍や雑誌、楽譜のグラフィックデザインなど、幅広い仕事を紹介する。さらに夢二の作品の中から4つの要素を抜き出し、同時代の作品や後を追って活躍した画家たちの作品を交えながら、大正・昭和の乙女たちを魅了したイメージのひみつを探る。

1985年に開館した練馬区立美術館は当初より美術作品の収集に取り組み、作品数は現在約5,500点、寄託作品を含めれば約7,500点に上っている。この中でも絵画作品は、日本の戦後美術の流れを語るのに欠かせない作品を含む、重要なパートとなっている。今回のコレクション展では、そうした所蔵品の中から、戦後まもなく描かれた作品から近年に制作されたものまで、約35名の作家による油彩画を中心とした約70点の作品を展示し、表現の流れを振り返る。こうしたコレクションは、各時代の世相や思想を様々なかたちで映すものである。またそれは、開館して37年を迎える同館の歴史そのものでもある。

アルフォンス・ミュシャの才能が花ひらいた19世紀末のパリ。ベル・エポック（良き時代）と回顧される都市文化の華やぎの一方で、文学・美術の世界には妖しく頽廃的な雰囲気も漂っていた。ミュシャが描いた女性たちは、優美な微笑みを浮かべながらも、どこか物憂げな遠い目をしている。 本展では、代表的な装飾パネルを中心に、ミュシャ作品の華麗さに見え隠れする憂いの表情に注目。さらに、少女像と幻想的な世界観で知られる宇野亞喜良の作品を刈谷市美術館より特別出品。ミュシャが描く1900年頃の女性と少女、そして宇野が1960～70年代に描いた少女が醸し出す“アンニュイ”の魅力にせまる。 ※会期中展示替えあり

野田九浦(のだ・きゅうほ、1879～1971)は武蔵野市ゆかりの日本画家。幼少期から絵画に秀でた九浦は、10代半ばで日本画家の寺崎廣業(1866～1919)に入門、その後東京美術学校に進学。同校中退後は日本美術院で研鑽を積むかたわら、正岡子規(1867～1902)に俳句を学び、白馬会洋画研究所に通ってデッサンの指導をうけたほか、留学を目指して英語やフランス語の習得にも励んだ。 本展は、武蔵野市が所蔵する九浦の作品より約20点を関連資料とあわせて展観、“歴史人物画の名手”という側面にとどまらない九浦の魅力を紹介する。俳句の師・正岡子規から九浦が体得した自然主義を手がかりとしながら、九浦の仕事を通観。《等楊先聖》（1928年）や《江漢画房》（1949年）といった歴史人物画にとどまらず、恩師の姿を描いた《山荘における廣業先生》（1938年）や《獺祭書屋》（1951年）、愛猫と過ごす自身の姿を描いた《K氏愛猫》（1954年）、旅先の風景を描いた《湯元》（1935年頃）、異色の大作《雲上図［仮称］》（1910年代頃、六曲一双、本展初公開）など、多彩な作品を紹介する。 2021年11月、九浦は没後50年をむかえた。そして、2022年は吉祥寺美術館開館20年の節目にあたる。武蔵野市史を振り返れば、美術館構想の端緒となったのは野田九浦の作品群であった。九浦の存在によって吉祥寺美術館の現在があるといっても過言ではない。稀なる日本画家・野田九浦の仕事に触れるとともに、この時代を生きる私たちの在りようを見つめ直す機会となってほしい。

これまで世界120カ国以上を巡り、各地のありとあらゆる “奇妙なもの”を対象に、博物学的・美学的視点で撮影と執筆活動を行ってきた佐藤健寿(1978～)。佐藤の造語をタイトルとして2010年に出版された写真集『奇界遺産』は空前の人気を博した。本書に収録されている写真は、多様な文化や建築、自然が生んだ奇景、奇妙に見える風俗を持つ人々など、世界各地に存在する不思議なもので溢れている。 本展では、佐藤健寿の代表作『奇界遺産』、シンプルな視点で世界を捉えた2021年の新刊『世界』、写真表現の新たな可能性を示した『SATELLITE』、さらに今回の展示のために西宮市周辺を空撮した新作を展示。 「真なる発見の旅とは、まだ見ぬ景色を探すことではない。世界を見る新たな目を、見つけることだ。」 『世界不思議地図』の序文で佐藤が引用した言葉に語られるように、この展覧会が新しい世界を見つける旅への一つのヒントになることだろう。

東京藝術大学は、前身である東京美術学校の設立から135年の長きにわたって作品や資料の収集につとめてきた。その内容は古美術から現在の学生制作品まで多岐に及ぶ。同館では、この多彩なコレクションを広く公開する機会として、毎年藝大コレクション展を開催している。 2022年の藝コレは、「春の名品探訪」と題して約3万件の所蔵品の中から選りすぐった名品を中心に展示。さらに今回は、天平の美術に思いを馳せた特集展示も見どころとなっている。 8世紀奈良の天平美術は、国際色豊かな唐の影響を受けつつ鎮護国家思想のもとに花開き、後代にも大きな影響を与えた。著しい損傷を被りながらも威風を伝えている《月光菩薩坐像》は、天平彫刻を代表する仏像のひとつである。また今回の展示では所蔵する乾漆仏像の断片や東大寺法華堂天蓋残欠に新たな光を当てる。最新の研究成果により南都仏師たちの技法が解き明かされる。 そして特集の白眉は、《浄瑠璃寺吉祥天厨子絵》（重要文化財）。今回の展示では、厨子とその内側四方に描かれた合計7面全て、さらに吉祥天像（模刻）によって立体的な展示を試みる。鎌倉時代に制作されたこの名品にも、天平の面影を見ることができる。

アンドレ・ボーシャン（1873～1958）と藤田龍児（1928～2002）は、ヨーロッパと日本、20世紀前半と後半、というように活躍した地域も時代も異なるが、共に牧歌的で楽園のような風景を、自然への愛情を込めて描き出した。人と自然が調和して暮らす世界への憧憬に満ちた彼らの作品は、色や形を愛で、描かれた世界に浸るという、絵を見ることの喜びを思い起こさせてくれる。 本展では、両者の代表作を含む計116点を展示する。 ※会期中展示替えあり

レオナルド･ダ･ヴィンチは「最後の晩餐」や「ラ･ジョコンダ（モナ･リザ）」という、世界で最も知られた絵画を描いた画家の一人である。しかし67年の生涯で残した現存絵画は16点ほど。その多くは未完成や欠損しており、完全な姿で残っている完成品はわずか4点しかない。 没後500年にあたる2019年に、彼が実現できなかった夢を500年後の現在の技術で実現したいという願いから、ダ･ヴィンチ研究で知られる東京造形大学 池上英洋教授らの指導のもと、学生や卒業生約100名が参加した復元プロジェクトが敢行された。 本展では、未着色作品や消失部分を科学的根拠に基づいて復元した絵画作品16点を中心に、ブロンズ製騎馬像や構想段階で終わった大建築計画、工学系発明品を展示。これらがすべて完成された状態で展示されるのは世界初の試みとなる。復元作品約30点を展示することで、万能人と称された彼のものづくりへのあくなき探究心を紹介する。

根津美術館のコレクションの礎を築いた初代根津嘉一郎（1860～1940、号青山）が尾形光琳による「燕子花図屏風」を購入したのは大正3年（1914）。以降、嘉一郎は展覧会や茶会で、惜しみなくこの大傑作を披露した。 本展は、そのうち、昭和12年（1937）5月の茶会で取り合わされた茶道具の名品と共に国宝「燕子花図屏風」を展覧する。 この茶会は5月5日を初日とし、政財界の友人5、6名ずつを招き、約数日間にわたって東京・青山の自邸で催された。「燕子花図屏風」をはじめ、円山応挙筆「藤花図屏風」、「鼠志野茶碗　銘 山の端」など、名品が次々に披露された。この会の取り合わせは、数ある嘉一郎の茶会のうち、ひときわ荘厳にして豪華といえるものである。77歳を目前にした嘉一郎の堂々たる布陣を堪能できる展覧会だ。

世界でその名を知られる江戸の浮世絵師、葛飾北斎(1760～1849)。北斎が残した数々の名作の中でも、「冨嶽三十六景」と並ぶ代表作として知られるのが『北斎漫画』である。弟子たちの絵手本として1814（文化11）年に初編が刊行されると、庶民の絶大な人気を博して版を重ね、北斎没後の1878（明治11）年まで全15編が刊行された。 人々の生活や動植物、自然現象や各地の名勝、さらには神仏、幽霊まで、森羅万象のあらゆるものをいきいきと描き出した。洒脱な筆遣いとダイナミックな構図、人々の特徴や一瞬の動きをとらえたユーモラスな描写は、自ら「画狂老人」と称して90歳まで絵を描き続けた北斎の、驚くべき画力、眼力を雄弁に物語っている。 本展では、世界一の質と量を誇る、浦上満氏の『北斎漫画』コレクションより、摺りが早く保存状態の良い選りすぐりの約200点を紹介。世界の画家たちを惹きつけ、今なお私たちを魅了してやまない北斎芸術のエッセンスが凝縮した『北斎漫画』の世界をじっくりと楽しめる。

身の回りの物を既存の意味や用途から解放し繋げていくコラージュ的手法で、思いもしなかった形象や風景をダイナミックに現出させる金氏徹平。 近年は文学、演劇、ますます多様な領域を横断し、さまざまなコラボレーションに取り組んできた金氏が、あらためて “彫刻” に向かいあう「S.F.」シリーズ最新作《S.F.（Something Falling/Floating）》。人工湖のほとりにたたずむバブルの遺産建造物から誕生した美術館を舞台に展開する金氏徹平の “S.F.ワールド” を堪能できる展覧会。

岡原大崋は、1961年佐伯郡大野町(現廿日市市)に生まれた。小学4年生の時に読んだ雪舟の伝記に衝撃を受け、以来日本画の道へ進む。片田晴峰、松島棗里、渡瀬凌雲らに師事し、若くして花開いた才能は19歳で弟子を持つほどであった。 現在は自身の創作活動とともに「南画游神会」「東方水墨画協会」を主宰し、伝統日本画の研究と技を伝える活動を広島と東京を中心に全国各地で精力的に行っている。近年では江戸時代を代表する絵師で、奇想の画家と呼ばれる「伊藤若冲」を題材にした大型ドラマの水墨画制作と、役者陣への作画指導で話題を呼んだ。 同館の開館25周年を記念して、郷土が生んだ南宗画士「岡原大崋」の仕事を広く紹介することにより、多くの方にその技と魅力に触れる機会となってほしい。

生誕100年を記念して、彫刻と陶芸という二つの表現領域で活躍した清水九兵衞／六兵衞（1922～2006）の初めてとなる回顧展を開催する。 清水は、塚本竹十郎の三男として1922年に名古屋に生まれた。幼名は廣（後に洋、裕詞）。名古屋高等工業学校建築科を繰り上げで卒業後、招集され沖縄での戦いに赴く。復員後、東京美術学校付属工芸技術講習所ならびに東京藝術大学工芸科鋳金部で学び、1951年に京焼を代表する名家である六代清水六兵衞の養嗣子となり陶芸の道に進んだ。1950年代から60年代にかけては、日展に出品して特選を連続して受賞するなど陶芸家としての高い評価を得る一方で、クラフト作品の制作にも熱中。しかし陶芸家としての評価が高まるなかで、「もの」と周囲の空間に対する関心が深まり、1966年に初めて彫刻作品を発表。1968年に「九兵衞」を名乗り、陶芸制作から離れ、アルミニウムを主な素材とする彫刻家として精力的に活動していく。その作品、構造と素材、空間などとの親和（アフィニティ）を追求したもので、日本各地に設置された彫刻からもその創作意識を窺うことができる。 清水は、1980年の六代六兵衞の急逝を受けて七代六兵衞を襲名したが、陶芸作品による襲名披露展は1987年まで待たなくてはならなかった。七代六兵衞としての作品は、土という素材の性質や焼成によるゆがみを意図的に用いたものであり、そこで得られた経験を、陶とアルミを組み合わせた作品や最晩年の和紙やクリスタルガラスによる作品群に生かし、九兵衞／六兵衞としての新たな造形を示した。 本展では、清水の九兵衞以前の陶芸作品、九兵衞としての彫刻作品、七代六兵衞としての陶芸作品のほか、清水自身が撮影した写真作品、彫刻制作のための図面やマケットなど、約170件の作品および関連資料を通じて、立体造形作家としての生涯を回顧する。 ※会期中展示替えあり

イタリア出身のアメデオ・モディリアーニ（1884～1920）はフランスに渡り、エコール・ド・パリの一員としてピカソや藤田嗣治などと共に活躍した。モディリアーニによる人物像はアーモンド型の眼や細長い首をもち、内面的な本質を鋭く捉える。わずか35歳で命尽きるまで精力的に描いた作品群は、世界中で今なお愛好されている。 本展では、国内外で所蔵されるモディリアーニ作品を中心に、同時代のパリを拠点に繰り広げられた新しい動向や多様な芸術の土壌を示し、モディリアーニ芸術が成立する軌跡をたどる。 モディリアーニと20世紀前期のパリで開花した芸術は、新時代の幕開けを迎える躍動感に満ちている。その豊かな醍醐味を、新たな船出を迎えた大阪中之島美術館で楽しめる。

2002年9月6日に開館したポーラ美術館は、開館以来、ポーラ創業家二代目の鈴木常司(1930～2000) が戦後約40年をかけて収集したコレクションを公開し、これを基盤としてさまざまな企画展を開催してきた。 2012年の開館10周年を機に、同館は森の遊歩道の整備と開放、野外彫刻の設置、現代美術ギャラリーの開設、体験型の展示の開催、ラーニング・プログラムの実施など、その活動を広げてきた。また近年では、従来のコレクションに加えて、20世紀から現代までの美術の展開を跡づけるために重要な作品の収集を行っている。本展は、鈴木常司が収集したコレクションと、近年新収蔵した作品をあわせて紹介する初の機会となる。 本展の主要テーマを「光」と定義し、クロード・モネをはじめとする印象派の画家たちが追及してきた光の表現、そしてゲルハルト・リヒターやケリス・ウィン・エヴァンスなどの現代の作家たちの作品にみる光への強い関心を取り上げる。ポーラ美術館のコレクションの「現在(いま)」を紹介するとともに、美術館の未来とコレクションの可能性を探る。

昨年、丸亀市猪熊弦一郎現代美術館は開館30周年を迎えた。そして今年は、猪熊弦一郎（1902～1993）の生誕120周年にあたる。この節目にあらためて猪熊の画業を回顧する。 猪熊弦一郎はおよそ70年の画業を通じ、一貫して「美」の表現を追求した。先人の偉業に学び、身近な自然や生活のなかにたくさんの美しいものを発見して、それらがなぜ美しいのか考え、研究し、何枚も何枚も絵を描いて、新しい美の創造に挑み続けた。 本展は、猪熊が作品として生み出した多様な美と、美への思いを紹介するもの。作品とともに、「色」「形」「単純化」「バランス」といったキーワードや、猪熊が美について述べた言葉などを掲示し、美の探究の軌跡をたどる。 美はどこにでもある、と猪熊は言う。心の窓を開くことで新しい美しさが見えるようになる、とも述べている。本展がきっかけとなって、一人一人が自分にとっての「美しいとは何か」を考え、日々、身辺に美を発見し、生活が彩られることになってほしい。

作品（モノ）が語ることと、作品を語ることの２つの意味での「モノガタリ」によって、コレクション（収蔵作品）の物語を持続させること。それが美術館の使命であり、本展のテーマである。 作品は、色彩や形、微細な筆致で視覚的に私たちへ語りかけ、また、誰もが作品を語ることで物語を生み出している。そうして生まれた大小無数の物語は、目には見えないけれども作品を彩る存在だ。 本展では、八戸市美術館のコレクション成立の歴史や風景、人々の交流といった時間・場所・人を切り口にして、作品とともに人々の語りを展示する。 ※会期中展示替えあり

ピエール＝ジョゼフ・ルドゥーテ（1759～1840）は、フランス王妃マリー・アントワネットとナポレオン皇妃ジョゼフィーヌに仕えたベルギー出身の植物画家。彼の作品の大きな特徴は、銅板に点を刻むという非常に手間のかかる多色刷銅版画にさらに、手彩色を施し、植物の細部まで正確且つ柔和に表現している点にある。彼は、当時の上流階級の人々に「花のラファエロ」や「バラのレンブラント」と称えられ、現在でもルドゥーテが描いた華麗なバラは、室内装飾品や食器等のデザインに用いられて多くの人に愛されている。 本展では、植物学的正確さと芸術的完成度の高さを併せ持った代表作『バラ図譜』全点と肉筆画を展示し、ルドゥーテの魅力を余すところなく紹介する。

ヨーロッパの古典絵画は、描かれてから500年以上経つが、その精緻な描写と画面の輝きは失われず、今日の私たちを惹きつけてやまない。 ヨーロッパにおける絵画の技法は、イタリア、フランドル（現在のオランダ、ベルギー）の地域で15世紀頃に完成されたと考えられている。様々な技法と画材が使用される現代の絵画表現のなかでは、ヨーロッパにおいてでさえ、古典絵画の技法は修復の専門家や研究者の間で継承され、一部の画家たちの創作に応用されているのみといっても過言ではないだろう。近代化の歩みのなかでヨーロッパ絵画を受容してきた我が国では、こうした古典絵画を技法、材料の面から本格的に研究しようする動きはここ半世紀ほどのことで、必ずしも一般に知られているわけではない。 本展は、ヨーロッパ古典絵画の技法と表現に焦点をあてる。美術史研究に基づいて技法と表現から忠実に再現しつつも、日本の風土に合わせるために工夫、研究がなされた模写によるイコン画、15～16世紀のイタリア絵画、フランドル絵画などを展示。さらに普段目にする機会の少ない作品の制作過程とともに、制作に使用される鉱物、顔料などの原料、道具類も紹介する。オリジナルに倣った単なるコピーとは異なる、原画を再現する技術によって文化財を後世に伝える技法と表現に触れることで、ヨーロッパ古典絵画の魅力を存分に楽しんでほしい。

明治28（1895）年4月、帝国奈良博物館として開館して以来、127年の歴史を有する奈良国立博物館は、天平文化が花開いた平城京跡に隣接する東大寺、興福寺、春日大社などに囲まれた奈良公園の一角にある。同館は、とくに仏教との関わりが深い古美術品や考古遺品などの保存、調査・研究、展示を通じて、優れた仏教美術の魅力をその背景にある豊かな歴史・文化を、長きにわたり多くの人々に伝えてきた日本有数の博物館である。 意外にも、その所蔵品を名品展として東京で公開したことがなく、本展では奈良国立博物館の数多い名品から仏教に関する美術工芸品の一端、計83件を名品展というかたちで紹介する。 国内での移動にも不自由がある昨今、奈良にある名品が渋谷で楽しめる貴重な機会となる。 ※会期中展示替えあり

長い画業の中でさまざまなジャンルに筆を染め、いずれの分野でも卓越した画力を発揮した葛飾北斎。 「冨嶽三十六景」の大ヒットによって錦絵の世界に風景画という新たなジャンルを切り開いた北斎は、広重にも多大な影響を与えた。 本展では、広重作品も交えながら、世界が絶賛した浮世絵師・北斎の魅力に迫る。 ※会期中展示替えあり

「ぐりとぐら」、「はじめてのおつかい」など、世代を超えて愛されるタイトルを数多く生み出してきた月刊絵本「こどものとも」。毎号一つの物語を一人の作家がすべて手掛けるという当時類のないかたちで、1956年に福音館書店から創刊された。「子どもが最初に出会う絵本にこそ一級の芸術作品を」との思いから、これらの絵本には日本画、洋画、彫刻、デザイン、漫画など様々な芸術分野の作家が参加した。第一線で活躍する作家たちにとっても思い思いの手法や可能性を試す表現の場となり、やがてそこからは絵本を主な創作の舞台とする作家も育っていくなど、児童書の出版にも大きな転機をもたらした。 本展では、宮城県美術館が所蔵する約550タイトルの絵本原画の中から、「こどものとも」草創期に関わる重要な作品や人気作はもちろん、今回初めて展示するものや新潟県ゆかりの作家の作品を展示。それらは、子どもだけでなく大人にも広く親しまれる、今日の絵本文化の歩みと原点を私たちに伝えてくれることだろう。

いまから100年前の1922(大正11)年、高島屋は大阪・堺筋の長堀橋詰に近代ゴシック建築の大型店舗(長堀店)を開店し、これが高島屋初の本格的百貨店の誕生であった。 当時の堺筋には、三越、白木屋がすでに大店舗を構えており、さらに翌年には松坂屋が開店。市電も走る堺筋は「百貨店通り」と呼ばれ、大阪随一のメインストリ―トとして繁栄した。この時期、大阪は人口・面積で日本最大の都市に、世界でも有数の大都市「大大阪」となった。華やかで活気にあふれた「大大阪時代」の象徴のひとつが、堺筋に建ち並んだ百貨店建築だったのだ。しかし、昭和初年、御堂筋の建設計画が始まると、高島屋が南海店(現・大阪店)を開店するなど、在阪百貨店の地図は大きく変化することになっていった。 本展では、近代都市「大大阪」の変貌を百貨店からみつめ直すもの。 ※会期中展示替えあり

世界的なコロナ禍を転機に、暮らし方への関心が高まりつつある。日常に癒しやくつろぎを求めようとする意識の変化にともない、生活空間のなかで、いま手仕事の温かさと土の魅力を活かした普段づかいの〈うつわ〉のデザインが人々の注目を集めている。 〈デザイン〉という言葉が広く知られる契機は、1957 年にはじまるグッドデザイン商品選定制度にあった。同時に国際競争力の強化を目指したデザイン振興施策が相次いで打ち出され、日本独自の美意識を活かした〈ジャパン・スタイル〉が探求されていった。こうした動向のなか、クラフトデザイン運動の指導者として国内の陶産地で活躍したのが日根野作三（1907～1984）であった。現在の信楽窯業技術試験場を拠点に展開した、日根野のデザイン指導を通して、陶産地信楽のモノづくりは新たな活路を見出していく。 日根野や熊倉順吉（1920～1985）の指導で、産地が一体となり火鉢低迷の苦境を乗り越えたあの頃。本展では、朝の連続ドラマでも記憶に新しい、活気に満ちた当時を振り返りつつ、いま信楽で話題の作家たちを紹介。新時代を予感させる〈うつわ〉を提案する。

19世紀後半のフランス――印象派の画家たちは、光あふれる日常生活を色彩に満ちた筆で描き出した。伝統的な絵画のルールに挑むものであった彼らの作品は、ヨーロッパ諸国、さらに近代化の途にあった日本に伝えられる。印象派の誕生を発端に、20世紀にかけて新たな美術動向が次々と生まれた。 ひろしま美術館は、印象派を中心としたフランス近代美術コレクションで、国内外から高い評価を受ける美術館。本展では、同館が所蔵するフランスおよび日本の絵画・彫刻69点を選りすぐり、19世紀～20世紀前半の美術の流れを概観する。モネやルノワールら印象派をはじめとし、印象派からの発展を示すセザンヌらポスト印象派、キュビスムを率いたピカソなど20世紀以降のモダン・アートに加え、西洋絵画の受容に貢献した黒田清輝らの日本洋画を紹介する。

シリーズで紹介するマーク・ピアソン　フォト・コレクション展の第2回目は、「須田一政」を取り上げる。 彼は1960年代の高度経済成長期からカメラを手に、日常のなかにある非日常の光景をスナップしシュールな世界観を築いていた。展覧会は、約650点ある須田作品の中から厳選して「風姿花伝」「わが東京100」「物草拾遺」「民謡山河」等の作品群で構成する。

かつて東西の交通路として栄えたシルクロード。この名称は19世紀にドイツの地理学者リヒトホーフェンがその著書『China（支那）』（1巻、1877年）においてドイツ語で「絹の道」の複数形を表す「ザイデンシュトラーセン」と使用したのが最初である。その名の通り、シルク（絹）の産地中国から、はるかローマに及ぶ壮大な交易路を指す。この道を通って文物だけではなく、情報や学術等の文化、そして人々などありとあらゆるものが往き交うことで、世界は豊かになった。そしてシルクロードは、ローマを経てエジプトの地へ、さらに中国、韓国を経て日本へ達し、文化、情報、人間の道となったのだ。そして、沖縄も琉球王国時代の交易にて少なからず影響を受けている。 本展では、シルクロードの地を愛してやまなかった故平山画伯の作品と、選りすぐりの至宝116点を紹介する。また特別展示として、鎌倉初期から室町時代に制作された初公開の日本の仏像や、京都の大佛師（四天王寺大仏師・成田新勝寺大佛師）松久宗琳が制作した貴重な仏像を展示、さらに奈良の唐招提寺におさめられている平成時代の仏像彫刻家による薬師如来立像を合わせて紹介。この機会に7千キロにもおよぶシルクロードが生み出した悠久の歴史に想いを馳せてほしい。

春の桜、初夏の牡丹に燕子花、秋の紅葉に冬の雪……。古くから、私たち日本人は自然に親しみ、四季の風物を愛で、その美しい景色やわき起こる感情を絵画や詩歌などに表してきた。正月に始まり、3月3日のひな祭りや5月5日の端午の節句、さらには花見や月見、花火見物といった風習は、脈々と現代に受け継がれてきたものである。 本展では、日本の絵画を中心に、陶磁や漆工などの工芸品を前・後期合わせて約100件展示し、四季がどのように表されてきたかを紹介する。尾形光琳、酒井抱一ら琳派の作品、喜多川歌麿、葛飾北斎らによる浮世絵をはじめ、近代を代表する菱田春草や速水御舟、近年人気の高い伊藤若冲や田中一村の作品を交えながら、絵画の名作や工芸のデザインに見られる四季の美を紹介。自然に囲まれた箱根の地で、四季折々の花や鳥を慈しむ、安らぎのひとときを満喫できる。 ※会期中展示替えあり

肥沼美智雄は1936年東京都に生まれ、1969年益子町に「一黙窯」を築いた。以降、益子を拠点として数々の作品を世に生み出してきたが、2020年8月に84歳の生涯を閉じた。中国古代の青銅器や埴輪を想起させる堅牢な形体に、黒々とした古銅のような肌を持つ作品群。肥沼の作品は、さまざまな要素を連想させると同時に、他にはない未知の造形で鑑賞者の目を愉しませてくれた。 益子は江戸末期より施釉陶の歴史を築いてきた。その一方で1970年頃から、加守田章二に傾倒し、土味を生かした造形表現を探求する気風が生まれた。肥沼もまた加守田章二に憧れ、益子で陶芸を始めた一人であり、作陶開始当初より次々と新たな作品を展開していった。ロクロで成形するというある種の枷にとらわれない制作手法は、造形表現の可能性を拡げることとなっただろう。 本展では、肥沼作品を中心として、同時代に益子で作陶した作家による作品とあわせて約60点を紹介する。

コシノジュンコの創造の原点でもある大阪・岸和田の高校時代に描いたデザイン画や装苑賞の受賞作から、60年代のブティックの風景、70年に大阪で開催された万博のユニフォーム、「対極」というコシノジュンコがファッションを通じて創出した世界観や大分・久住を本拠地に国内外で活躍するDRUM TAOとの仕事など、現在までの活動の全貌を紹介する。 会期中には、コシノジュンコと企画する様々な関連イベントを開催予定。常にモードの先端を走り、新たな創造を繰り広げる、その活動の全貌を紹介する。

名刀が美しい輝きを放っているのは、鍛刀されてから今日に至るまでの数百年の間、絶えず日本刀を守り、磨き続けていた人々の手があったからである。 本展では、日本有数の刀剣コレクションを誇る佐野美術館の収蔵品から平安時代から江戸時代にかけての国宝・重要文化財に指定されている刀剣、刀装具、約100点を展示。なかでも国宝「太刀　銘　一」は、実に36年ぶりに愛媛で展示される。さらに「刀剣乱舞」のキャラクターにもなった、名槍「蜻蛉切」、重要文化財「松井江」といった珠玉の名品たちも展示されるほか、伊予今治城主藤堂高虎が所有した名刀「正宗」（重要文化財）といった愛媛ゆかりの刀剣が県内初公開される。また伊佐爾波神社・東雲神社に伝わった名刀(重要文化財)を、本展にあわせて特別公開。約千年にわたる日本刀の歴史を通じて、日本人が培ってきた美意識や文化を伝える。 ※《正宗》《大兼光》のみ会期中展示替えあり

「ドールハウス」とは、人形の家、女の子のおもちゃ……そんなイメージが強いが、実はそれだけにとどまらない。日本語でぴったり当てはまる言葉がなく、「小さい家」が近い訳になるが、外装だけでなくインテリアも含め、精巧な再現性を誇るミニチュア文化のひとつがドールハウスである。 記録に残っている最も古いドールハウスは16世紀、ドイツの侯爵が愛娘のために作ったものといわれている。マイスターと呼ばれた高い技術者がドールハウスを制作し、やがて裕福な貴族階級や商人たちのステイタスシンボルとなった。18世紀の産業革命により、安価な材料で量産が可能になると一般の人々にも広まり、趣味として玩具として人気となっていった。長い歴史を経て世界中で愛されてきたドールハウスは、美術工芸品としてだけではなく、当時の暮らしを伝える文化遺産としても大変価値の高いものといえる。 日本でドールハウスが一般的に知られるようになったのは1970年代頃で、歴史は浅いが、現代作家の技術は世界的にも大変評価が高く、豊富なバリエーションが特徴で、個性豊かなミニチュア作品が次々と誕生している。 本展では、日本ドールハウス協会の現代作家の代表作および新作、ノエカフェ・一色美世子コレクション、箱根ドールハウス美術館のアンティークコレクションなど約80件にて、ドールハウスの魅惑の世界を紹介する。

福生市に生まれ、終生を同地で暮らした洋画家・栗原一郎（1939～2020）は、多摩地域を代表する洋画家であり、青梅市立美術館館においても2001年に個展を開催したことのある主要な館蔵作家である。 没後2年を記念する本展では、2000年代に描いた作品を中心に、油彩画とデッサン約50点を展示。栗原の作品としては、裸婦が有名だが、福生市内の建物も多く描いており、後年取り組んだ「後ろ姿シリーズ」や「静物」にも、独特の雰囲気と味わいがある。さらに、今回は特別に、福生市が所蔵する作品や、画学生時代に描いた自画像と、絶筆となった作品もあわせて展示。独自の感性で多くの人を魅了した、栗原一郎の世界を堪能できる展覧会だ。

佐倉市立美術館では、令和3年度に佐倉市及び千葉県ゆかりの作家の作品などを収集した。 本展では、佐倉市ゆかりの画家・浅井忠(1856～1907)の《氷川村》をはじめ、浅井忠と交流のあった漆芸家・杉林古香(1881～1913)の旧蔵品、 佐倉美術協会で活躍した画家・高橋凡平(1923～2015)と彫刻家・久保浩(1932～)と陶芸家・上瀧勝治(1941～)の代表的な作品、これらの新たに収蔵した作品を中心に展示する。また、千葉県印西市を拠点として活躍した銅版画家・小林ドンゲ(1926～)の初公開となる資料(スクラップブック)も合わせて紹介する。

いま全国の映画館は、一か所に多くのスクリーンを持ち効率的経営を行うシネマコンプレックス（シネコン）が主流になり、映画が娯楽の王者だった時代の豪勢な大型劇場や、どの都市の街角にもあった小さな映画館の多くは姿を消していた。東京浅草に日本初の映画常設館が誕生してから120年近く経つが、その間、どんな空間で映画を楽しんできたのか。 「映画館で映画を見る」という何げない行為も、震災、戦争、復興、経済成長といった社会情勢や、人々の暮らしのモードの変化とともに移り変わってきた。本展は、映画館の写真、プログラム、雑誌・書籍、実際に映画館で使われた品々などを通して、映画館の誕生、映画興行の発展期からミニシアターの時代まで、シネマコンプレックス登場以前の日本の「観客の映画史」に迫る。とりわけ、往年の貴重な興行資料を軸に、二つの大都市（川崎・北九州）の例を通して、映画館と人々のかかわりを示すとともに、建築としての映画館の変遷や、人の目に触れにくいフィルムの映写という技能にも着目する。 インターネット配信による鑑賞がますます根づき、また新型コロナウイルス感染症のあおりで映画館運営が厳しさを増す現在、映画館に人々が集うことの意義を再び確認するとともに、映画の持つパワーを映画館という場所から捉え直す好機となるだろう。

戦後の日本画壇を牽引した奥田元宋(1912～2003)の生誕110周年を記念し、元宋とその活躍の舞台となった日展(日本美術展覧会)の画家たちを紹介する展覧会を開催する。元宋は広島に生まれ、19歳で上京し、遠縁にあたる同郷出身の日本画家・児玉希望に入門。1936(昭和11)年、日展の前身である文展(文部省美術展覧会)に初入選、以後、官展(政府主催の展覧会)へ出品を重ねた。戦後は、「元宋の赤」とよばれる赤を基調に、雄大な自然を描いた独自の風景画を確立した。また、和歌にも秀で、1981年には宮中歌会始の召人に選ばれている。 本展では、「元宋の赤」が際立つ大作《奥入瀬(秋)》、ならびに《奥入瀬(春)》を同時に公開するほか、宮中歌会始の際の和歌を記した作品も展示。 さらに、文展、帝展(帝国美術院展覧会)、日展へと続く官展の歴史を振り返りながら、帝展時代から活躍した福田平八郎をはじめ、川合玉堂の第1回日展出品作、「日展三山」と称された東山魁夷・杉山寧・髙山辰雄のほか、山口蓬春、山口華楊など日展で活躍した名だたる画家たちの優品とともに、20世紀の日本画壇をリードしてきた人気作家たちの足跡をたどる。

「帯留」は、着物の帯を締めた上に留めるための金具、一般的に帯紐に通して用いる。昨今では帯締（紐のみ）が主流となり、あまり見かけなくなったが、実は装いの要となる重要な金具だ。帯留が流行したのは、江戸後期文化年頃（1804～）といわれているが、その歴史は長く目貫や柄頭など刀剣刀装具の流用や、煙草入れの前金具を用いたものも少なくない。そのため帯留には小さいながらあらゆる江戸の金工技術が凝縮され、繊細で洒脱な独特の世界が展開している。帯留をめぐる造形はまさに日本美術の小宇宙ともいえる。今回は、その帯留金具と現代着物を合わせ、女性の装いにおける接点を見出す。登場から一世紀以上を経た今でも、和の装いに違和感なく溶け込む帯留に、変わらぬ女性の美意識を探る。

栃木県立美術館は、公立の近代美術館の先駆けとして1972年11月3日に開館し、今年で開館50周年を迎える。これまでに収集した作品は約9,000点、開催した企画展は240本にのぼり、2000年以降は教育普及事業にも力を入れ、地域の人々や教育機関と連携しながら、多様なかたちでアートと出会う場を創出してきた。 本展は特定のジャンルや時代、作家に注目したものではなく、同館50年のキセキを過去の企画展や選りすぐりの収蔵品を通してたどる「題名のない展覧会」。企画展示室、常設展示室の全館を使って展示を構成する。あわせて歴代のポスターも一堂に公開し、作品の制作秘話や学芸員だけが知っている裏話を織り交ぜながら、コレクションの魅力をひも解く。この展覧会が栃木県の魅力の再発見や確認につながることを期待し、次の50年に向けて美術館の未来を考える機会となってほしい。 ※会期中展示替えあり

新野洋は1979年生まれの現代美術作家。アトリエがある京都府南山城村周辺の里山などで採集した植物を、シリコーンゴムで型どりして、合成樹脂で型出しした部品を彩色し、組み立てて、未知なる生き物のかたちをつくりだしている。それらはまるで実在する生き物のようなリアルさを持ち合わせる。近年は、流木や動物の骨などのかたちを利用した巨大な作品をつくり、発表している。 西澤伊智朗は1959年生まれの陶芸作家。大地の風合いを感じさせる土肌の作品をつくる。長野の七二会(なにあい)の山中にアトリエをもち、冬虫夏草や廃墟、朽ち果てた果実などの存在やかたちに着想を得たというそれらは、作家のうちに沸き起こるとめどもない表現への欲求から生み出されている。粘土は自身を映し出すようなものだと西澤は言う。 みずみずしく透明感あふれる新野のアクリル樹脂の素材感と、荒々しくも素朴な西澤の陶土、20歳差のふたりが創り出すそれぞれの自然のかたちを紹介する。

木村伊兵衛（1901～1974）と土門拳（1909～1990）は、ともに日本における近代写真／リアリズム写真の開拓者として知られている。しかし、その人柄は作風は基本的に大きく異なっていた。木村が小型のライカカメラを愛用し、瞬間的なアングルから人間や風景をさりげなく、かつ流麗にとらえていったのに対し、土門は被写体を細部まで徹底的に凝視するかのような撮影プロセスと緊張感のみなぎる作品によって、自己のスタイルを確立していった。 1930年代初頭にすでに新進気鋭の写真家として注目を集めていた8つ年上の木村の作品から、まだ駆け出しで無名だった頃の土門は大きな刺激を受けていたようだ。その後も長年にわたり、土門は彼の存在をいつか追いつかなければならないライバル＝好敵手として意識していた。そして戦後、1950年代にはカメラ雑誌の月例審査を2人合同で行い、全国のアマチュア写真家の間にリアリズム写真の一大ムーブメントを巻き起こすに至った。 本展は、2021年に木村が生誕120年を迎えたことを記念して開催するもの。木村伊兵衛と土門拳という、20世紀の写真史を振り返る上で欠かせない2人の代表作が一堂に会する空間で、それぞれの作品が放つ豊かな個性と、彼らが生きた時代の空気を感じてほしい。

版画は、図や文字などのイメージを複製するための技術を用いた表現である。現在では技術の発達と解釈の多様化により、その表現は広がりを見せている。技術自体の歴史は古く、日本には仏教伝来とともに流入し、西洋でもキリスト教の布教によって広まった。そしてその表現は、さらに近代以降、複製の役割を超えて大きく花開いた。本展のタイトル「モダン・プリンツ」とは、近代版画という意味でありながら、新たな表現を獲得した「美術作品としての版画」そのものを指している。 和歌山県立近代美術館は、版画についての収集や展示、また調査研究に力を入れてきた。それは和歌山が多くの版画家を輩出してきたことにはじまり、また同館が対象とする近代美術の展開に、版画が大きな役割を果たしていたこととも関わっている。表現のなかにオリジナルと複製の問題を内包した版画は、複製技術の発展にも支えられて、既存の美術概念にさまざまな問題を提起し、その拡張に影響を与えてきたからだ。近代美術史に名前を残す多くの美術家たちが、絵画や彫刻の制作とともに、版画の制作を試みている。 本展では、同館の20世紀西洋版画コレクションを中心に、日本の近代版画にも影響を与えたエドヴァルド・ムンク、西洋が日本の版画と出会った時代を代表するエミール・オルリクとその周辺、パブロ・ピカソの代表作やアンリ・マティスがその晩年に新たな表現として開拓した切り絵のステンシル作品、そしてアメリカの戦後美術を支えた版画工房と画家の共同作業など、近代版画の多様な側面を紹介し、版画を通じて近代の意味を考える。 ※会期中展示替えあり

目黒区美術館は今から35年前の1987年に、都内7番目の区立の美術館として開館した。2018年から、都内の区立美術館11館が集まり、「東京・区立美術館ネットワーク」として連携活動を続けている。これまで、各館の活動を紹介するチラシの共同作成や、討論イベント、情報交換などを行ってきた。本展では、このネットワークに参加するコレクションを有する10館から、猫を描写した作品が目黒区美術館に集結する。各館自慢の猫たちは、単に可愛らしいだけでなく、作家が 猫を描くことの意味を提示している。猫は、画家にとっては繊細な毛を、彫刻家にとってはしなやかな身体のラインを表現できるモティ―フである。また多くの芸術家にとって、猫は社会にとらわれない自由な存在としての憧れや共感の対象でもある。古くから猫は勇猛な「虎」の画題にも連なるが、本年2022年は寅年でもある。身近で親しみやすい猫を取り上げているが、展示作品は各館のコレクションの特徴を反映している。展示をとおして、多彩な東京の区立美術館の活動についても紹介する。

1933年に竣工した旧朝香宮邸（現・東京都庭園美術館本館）の建築としての魅力を存分に堪能できる、建物公開展が今年も開催される。年に一度、これまで毎回テーマを設けて様々な角度から建物公開展をしてきたが、今回は、1920-30年代のアール・デコ期の貴重書に着目する。 1920年代の滞欧中、朝香宮夫妻は当時全盛期だったアール・デコの様式美に魅せられ、帰国した。そしてこの白金の地に自邸を建設するに当たり、主要な部屋の内装設計をフランスの室内装飾家アンリ・ラパンに依頼し、ルネ・ラリックをはじめとしたデザイナーが参加するなど、フランス直輸入のアール・デコ様式を取り入れた邸宅が誕生した。現在は美術館として活用しているが、内部の改造を僅かにとどめ、竣工時の様態を色濃く今に伝えている。 そうした背景から、同館ではフランスの装飾美術に関する書籍や雑誌、1925年のアール・デコ博覧会に関連した文献資料等を所蔵している。本展では、同館が所蔵するアール・デコ期の貴重書を中心に、本館と新館それぞれに展示。華やかなショーウインドウの写真集、博覧会やインテリアの特集雑誌、色鮮やかに表現された絵本など、当時の貴重書を通して装飾性豊かなアール・デコの世界へと案内する。 また、本館では窓のカーテンを開け放ち自然の光を感じる空間で、家具や調度を用いた邸宅空間を再現展示。宮邸時代の雰囲気に想いを馳せながら、建築や室内意匠に注目してほしい。

世界的に最もその名前が知られている浮世絵師、葛飾北斎。北斎は「冨嶽三十六景」に代表される風景画のほか、さまざまなジャンルを手掛け、高い名声を得た。しかし当然のことながら、その頃に活躍をしていた絵師は北斎だけではない。数多くの浮世絵師たちが、時には北斎と覇権を争い、時には影響を受けたり与えたりしていたのだ。 本展では、北斎の作品に注目するだけでなく、同時代・次世代に活躍した総勢15名以上の絵師たちの作品を並べることで、北斎とライバルたちがどのような関係にあったのかを紹介する。 ※会期中展示替えあり

ブロッコリーが巨大な森に、五線譜がスポーツのフィールドに、クロワッサンが青空に浮かぶ雲に……日常的なものを題材に、ミニチュア人形と組み合わせた作品を制作・発表するミニチュア作家・見立て作家の田中達也。 クオリティの高さ、独自の世界観には多くの反響が寄せられ、2017年から始まった企画展は国内外で累計160万人を動員。2020年ドバイ国際博覧会の日本館展示クリエーターとして参画するなど活躍中である。遊び心満載の「見立ての世界」を楽しめる展覧会。会場内は写真撮影可能。

塔本シスコは、1913(大正2)年、熊本県郡築村(現・八代市)に生まれた。養父の傳八は、自身のサンフランシスコ行きの夢を託し、彼女をシスコと命名した。シスコさんが9歳の頃、家業がかたむき、小学校を中退。その後、奉公を重ね、20歳で結婚。一男一女を得たが、46歳の年、夫が急逝。心身ともに不調の日々から立ち直るなかで、子どもの頃から憧れていた絵を描くことに夢中になっていった。 53歳のある日、彼女は大きなキャンバスに油絵を描き始めた。その絵画世界は、何ものにもとらわれない、彼女の胸中に宿る喜びや夢で満たされている。作品の主題は身近な草花や動物たち、そして時間も場所も自由自在にのり越えて、子どもの頃の思い出にまで広がる。生涯にわたって、少女のような純粋さを保ち、自身の喜びと夢を制作の源泉にしていたシスコは、「私は死ぬまで絵ば描きましょうたい」と絵筆を握り続け、2005年に91歳の人生を閉じた。 本展では、これまで広く紹介される機会が少なかったその作品200点以上を集め、ほとばしるように展示室に満ち溢れるシスコ・パラダイスを展覧する。

デビュー絵本『ふるやのもり』(1965年)から半世紀以上、第一線で活躍する田島征三（1940～、大阪府堺市生まれ）は、いつの時代も革新的で人の魂を揺さぶる表現を追求してきた。 29歳にして『ちからたろう』（1967年）で第2回ブラチスラバ世界絵本原画展金のりんご賞を受賞して以来、田島は国内外の数々の絵本賞を受賞。しかし、高い評価や人気に疑いを感じ、評価の定まった自己のスタイルを破壊しようとしてきた。また、絵本を手がける一方、絵画を発表する美術家としても活動し、ジャンルに縛られない独自の創作世界を切り拓いてきた。 さらに、近年は芸術祭という新たな舞台と出合い、活動がますます飛躍。2009年の大地の芸術祭 越後妻有アートトリエンナーレ（新潟県十日町市）では、廃校した小学校をまるごと絵本にする「鉢＆田島征三 絵本と木の実の美術館」を開館。2013年の瀬戸内国際芸術祭では、香川県大島に「青空水族館」、その後「森の小径」「Nさんの人生・大島七十年」などの制作を展開。80歳を迎えた今も、絵本の概念を打ち破る表現、そしてアートの可能性に挑み続けている。 本展では、絵本デビュー作『ふるやのもり』をはじめ、『ちからたろう』や『とべバッタ』など代表的な絵本を含む30余冊の絵本原画、さらに油彩画やリトグラフなども加えた270点以上を展示し、その型破りな創作の全貌を紹介する。

笠間日動美術館コレクションから高橋由一、黒田清輝、藤島武二、青木繁、梅原龍三郎、岸田劉生など明治以降の洋画家の秀作を一堂に展示するとともに、笠間出身の画家・山下りんのイコンも、釧根のハリストス正教会のイコンとともに公開する。

わが国最初の天皇発願の寺を原点とし、平城京に壮大な寺地と伽藍を構えた大安寺。奈良時代、東大寺や興福寺などとともに南都七大寺の1つに数えられ、一時期を除き筆頭寺院としての格を有していた。1250年の時を経て今も大安寺に伝わる9体の仏像は、奈良時代を代表する木彫群の1つである。かつての伽藍の発掘調査で出土した品々からは、往時の壮大な堂塔や華やかな営みの様子をうかがい知ることができる。また、菩提僊那、空海、最澄をはじめ、1,000人にも及ぼうかという国内外の僧侶たちがここに集い、後に諸方面で活躍した。天智天皇の発願により造られたとみられるかつての本尊・釈迦如来像は、今は失われてしったが、平安時代には奈良・薬師寺金堂の薬師三尊像よりも優れていると評され、古代から中世の仏像制作に影響を与えた。本展では、まさに時代をリードする大寺院であった大安寺の歴史を、寺宝、関連作品、発掘調査成果など様々な角度から紹介する。 ※会期中展示替えあり

大正から昭和初期の郊外開発に端を発する東急大井町線、目黒線、東横線は、今日にいたる世田谷の街並みを形づくってきた。 本展では村井正誠や宮本三郎など、沿線に住んだ美術家や文化人たちの創作と交流の足跡を辿る。

いたずらの王者を目指すキツネの主人公・ゾロリと仲間たちの大冒険を描いた『かいけつゾロリ』シリーズが35周年を迎え、石巻にやってくる！ 東北初開催の本展ではこれまでの大冒険の歴史を振り返りながら貴重な原画などを展示。また、ゾロリが集めた“お宝”も登場し、作品の世界観を体感できる。魅力あふれるゾロリワールドが楽しめる展覧会。

19世紀末から第一次世界大戦期にかけて、ジュール・シェレ、ロートレック、ミュシャらによる、豊かな良き時代を意味する「ベル・エポック」の華やかなポスターが街を彩った。 　 大都市には商品があふれ、バーやキャバレー、オペラや観劇など、多くの人々がモダン・ライフを満喫した。芸術の中心地・パリには、才能ある若者が世界中から集まり、これらの商品、興行、旅行を宣伝するため、ポスター・デザインも発展する。 　 本展では、京都工芸繊維大学美術工芸資料館が所蔵するポスターコレクションより、近代ポスターの創成期から、アール・ヌーヴォー、アール・デコの作品を中心に約110点を紹介し、時代の息づかいを伝えるポスター芸術の歩みをたどる。

江戸時代には、版画、版本、絵画と、様々な媒体で名所が描かれ、大坂もその舞台のひとつであった。葛飾北斎は諸国名橋のひとつとして天満橋を取り上げ、歌川広重は堂島米市や雑喉場魚市の活況を描いた。また大坂では、精密な名所絵を背景にした珍騒動を描く「滑稽」シリーズも人気を博した。本展では、それらの名所絵から、江戸時代の大坂の人びとが、日々何を眺め、何に笑い、大坂の町を歩いたのかを読み解く。 大坂には和歌に詠まれた古くからの名所も数多くあるが、江戸時代には、いわゆる伝説や俗説をもとにした「俗名所」が誕生し、街角のおかしなものが名所として紹介され、商都・大坂の経済を支える水運の開発と併せて新たな観光名所が生み出された。近世、近代、そして現代を通して、名所が生み出されていくことの意味と、それを最大限に活用し楽しむ、人びとのたくましさに注目する。

1914年の初公演以来、今日も人気を集める宝塚歌劇。その宝塚歌劇の世界を、衣装を通して紹介。宝塚歌劇展で衣装に特化した大規模展示は、今回が初の試みとなる。 宝塚歌劇の衣装は、歌劇の題材が国際色豊かで時代背景も様々なため、多様な生地素材やスタイル、宝塚歌劇ならではの華やかなデザインが特徴的である。華麗な舞台を支えるプロフェッショナルな技術も垣間見ながら、帽子や靴、デザイン画など、約120点を展示。映像やフォトスポットも楽しめる、エンターテイメントな空間となっている。 舞台衣装という枠にとどまらない個性豊かで幅広いジャンルの衣装を通して、「タカラヅカの衣装」の面白さ、奥深さを体感できる展覧会。

大人もドキっとするような含蓄ある言葉やナンセンスなギャグが人気の漫画「コジコジ」。メインキャラクターである“宇宙生命体” コジコジの誕生から30年以上経つ今、20代から30代を中心に、そのかわいさとおもしろさ、そして作品の奥深さに注目が集まっている。 本展「コジコジ万博」では、コジコジたちが暮らす「メルヘンの国」のインスタレーション、漫画やイラストの原画、オリジナル映像を通じて、個性的なキャラクターや名言の数々、主な物語を体感的に紹介。現実世界と同じように、友情や恋、自分探しに悩む仲間たちを、コジコジが明るく楽しく包み込み、すべてを笑いに昇華させていく作品の魅力に迫る。 個性と多様性が求められる今の時代だからこそ、大人の心にリアルに響くコジコジの哲学。ちょっぴり深い話も織り交ぜながら、PLAY! MUSEUMならではのクリエイティブで、コジコジを遊びつくす。 本展はPLAY! MUSEUM のみ開催で、巡回はなし。日本でここだけ、一度限りの「コジコジ万博」が開幕する。

バルセロナに生まれた芸術家ジュアン・ミロ（1893～1983）は、ピカソやダリと並ぶ現代スペインを代表する巨匠として、日本でも永く愛されてきた。しかし、絵画や彫刻、版画、タペストリー、そしてやきものにまで及ぶその旺盛な創作活動の裏に、日本文化への深い造詣があったことはあまり知られていない。 本展では、浮世絵や俳句を通じた日本への憧れが感じられる初期の代表作から、民芸や書、やきものを通じて触れた日本特有の質感を反映した戦後の大作まで、ミロの90年の歩みをたどる。ミロがアトリエに飾っていた日本の民芸品や、世界で初めてミロの本を出した詩人・美術評論家の瀧口修造との共作を含む、約140点の作品と資料が一堂に会する本展は、ミロが「長い間、夢みていた」という日本での、20年ぶりとなる大規模な回顧展となる。

「絵を描く」時、作家は目に見えている対象物をそのまま描き出すだけではない。作品にはモチーフを通して作家自身の心の動き、すなわちものに対する感動や情感が表現されており、描かれたものには作家の心情が託されているのだ。どのような心持ちで描き、何を伝えようとしているのか……作品からそうした想いが届いた時、鑑賞者はより感銘を受け、深く作品を味わうことができるのかもしれない。 本展では、作家本人とその遺志を受け継ぐ遺族からの寄贈・寄託作品を展示。作品を観て、さらに言葉に触れることで、描かれたものの奧に潜む作家の心に想いを巡らせてほしい。

江戸時代には、欠けた書物を分割し、書の美術品である古筆切（こひつぎれ）として、鑑賞、蒐集することが流行し、筆跡鑑定を職業とする古筆家（こひつけ）が成立しました。2021年に(財)センチュリー文化財団より慶應義塾に寄贈いただいた「センチュリー赤尾コレクション」には、江戸初期から昭和期までの約300年の鑑定活動を通じて、古筆本家に集積した膨大な資料や記録などがまとまって存在しています。現在整理作業を進めていますが、その学術的価値の高さは計り知れません。本展では、その一部を初公開するとともに、慶應義塾の所蔵作品を加えて、古筆家の人々の活動と、鑑定文化を紹介します。

天然の塗料である漆は、古くから日用品や調度、建築装飾などに多用され、その独特な美観でもって、日本の伝統的な住まいやくらしの中に彩りを添えてきました。大阪出身の造形作家である栗本夏樹は、日本人の生活文化と密接に関わってきた漆という素材を、新たな生命を吹き込む神聖な存在と捉え、現代の生活空間を飾る様々な作品へと昇華してきました。栗本が漆を塗る対象は流木や樹皮、石などの自然物をはじめ、使用されなくなった紙管や自動車のボンネットなどの人工物にも及びます。1994年には大阪南港にあるアジア太平洋トレードセンターで行われたモニュメント制作の指名コンペティションに参加。この時に選出された“アジアの中の私”は、1996年のおおさかパブリックアート賞を受賞し、これを機にその活躍の場は公的な空間に置かれる造形物にまで広がりました。本展では立体、平面、器物を中心とした栗本の過去から現在に至るまでの代表的な作品を一堂に集め、栗本が取り入れてきた表現の移り変わりを概観することができます。長い歴史の中で育まれてきた伝統的な美を継承しつつも、新たな発見に満ちた漆造形の世界をご覧ください。

誰でも、子どもの頃に版画を作ったことはあるのではないだろうか？　日本の多くの学校で版画を学ぶのは、版画を普及した戦後の文化運動と深い関りがある。 本展は、戦後日本で展開した2つの民衆版画運動を紹介する。ひとつは社会運動を版画で伝え、アマチュアに版画を広めた「戦後版画運動」（1947～1950年代後半）。もうひとつは戦後版画運動から派生し、全国の小中学校の教員が学校教育のなかへ版画を広めた「教育版画運動」（1951～1990年代後半）だ。 これらの運動の原点には1947年に日本で紹介された中国木刻（木版画）の存在がある。現実を切り取った中国木刻のリアリズムは、戦争の傷や苦しい生活に悩む当時の人々に大きなインパクトを与えたのだ。 ２つの民衆版画運動のなかで作られた作品には平和への願い、社会へのまなざし、工場や農家の仕事、田舎から都会まで様々な土地での生活が実感をもって刻まれている。約400点の豊富な作品と資料を通して、これまであまり知られることのなかった版画史の一側面に光を当てることで、戦後の開発と発展のかたわらにある「もう1つの日本」が浮かびあがってくるだろう。

井上長三郎（1906～1995）、寺田政明（1912～1989）、古沢岩美（1912～2000）は、画家を志す熱い想いを胸に上京し、戦前は池袋モンパルナス、戦後は板橋区に住居兼アトリエを構えた。日本や西洋の画家たちに憧れ、戦前に海外より紹介された、フォービスムやシュルレアリスムをはじめとする表現に刺激を受け、それぞれの画風を確立した彼らは、生涯にわたり独自の絵画を追求し続けた。 本展は、激動の時代を見つめ、描き続けた3人の画家の生き様に迫る展覧会。

本展は、令和元年に国立民族学博物館（みんぱく）で開催され、好評を博した特別展「驚異と怪異」の一部を巡回するもの。近世以前、ヨーロッパや中東においては、人魚や一角獣といった不可思議だが実在するかもしれない生物や現象が「驚異」として自然誌の知識の一部とされてきた。また、東アジアにおいては、奇怪な現象や異様な生物の説明として「怪異」という概念が作り上げられてきた。高知展では、みんぱくの資料を中心に独自借用の資料も加え、龍、怪鳥、巨人など世界各地の人びとが創り出してきた不思議な生きものたちを紹介して、人間の想像力の面白さに迫る。

公益社団法人糖業協会の日本近代洋画コレクションと、公益財団法人大川美術館のコレクションから、選りすぐりの優品によって、「昭和モダン」をテーマに構成した展覧会。 糖業協会は、昭和11年（1936）の協会設立以降、美術品を収集してきた。協会の成長とともにコレクションは充実し、藤島武二、梅原龍三郎といった日本画壇の重鎮を含む、大正期末から昭和中期までの近代洋画の優品を所蔵している。一方、大川美術館は、桐生市出身の実業家、大川栄二が約40年にわたって収集した日本・海外の作家の作品をコレクションの中心として、平成元年に開館。収集のきっかけとなった松本竣介、野田英夫に加え、二人に関係のあった作家、影響を与えた作家を中心に収集されたコレクションは、7,500点にのぼる。 本展では、戦争と平和の激動の「昭和」の時代を、清新なイメージを求めた「モダン」の視点から、松本竣介《街》（1938年）を起点に多彩な絵画によってたどる。日本近代洋画史に欠かせない画家たちの個性豊かな作品が楽しめる。

絵画における空間の問題をテーマに独自の表現を探求し続けている、湯川雅紀（1966～　）の近年の制作を紹介する展覧会を開催する。 湯川は和歌山県海南市に生まれ、1989（平成元）年に和歌山大学教育学部を卒業、1991（平成3）年に大阪教育大学大学院美術教育研究科を修了した。その後1996（平成8）年までドイツ国立デュッセルドルフ芸術アカデミーに学び、マイスターシューラ―（最高学位）を取得、ドイツを拠点に制作を続けながら日本でも1998年の「VOCA展‘98」でVOCA賞を受賞。2010（平成22）年に帰国した後も、意欲的に制作と発表を続けながら教育にも携わり、現在関西福祉科学大学教育学部の教授を務めている。 本展では、ドイツから帰国以来、現在までの約10年間の湯川の制作に注目して、その作品を展観。多様な円形で層状の画面を構成する湯川の絵画は、作品上に緩やかで複雑な空間を生み出し、時には画面の外へと鑑賞者を促す。本展開催にあわせて制作される最新作も展示する。

2020年春にうらわ美術館開館20周年記念展として企画された本展。新型コロナウイルス感染症対策に伴い開催中止となってから、同館では再開催を目指し、様々な代替プロジェクトを展開してきた。そしてこのたび、2年間の延期を経て、美術と向き合う思いを新たに、構成内容や出品作品は当初の記念企画規模で、本展を実現することとなった。 いつの頃からか「鎌倉文士に浦和絵描き」という言葉が聞かれるようになった。1923年の関東大震災後、東京から幾人かの芸術家がさいたま市の浦和地域に移り住んだことが背景として挙げられるが、他にもこの土地が絵描きの街となった要因は様々にある。なぜ彼らはこの土地を選び、居住の地としたのか。そしてここで何を感じ、どのような作品を生み出したのか。 本展では、各地の美術館や関係機関の所蔵作品と同館収蔵品を交え、芸術家同士の繋がりや様々なエピソード、時代状況等をたどりながら、この土地に集った芸術家たちの作品やその背景をひも解く。芸術文化をつないできた芸術家たちの足跡、そして彼らが活躍の場を広げていった様子を、100タイトルを超える作品、資料とともに前期と後期の二期に分けて展覧する。 ※会期中展示替えあり

日本美術院は、岡倉天心によって1898(明治31)年に設立された在野の日本美術団体である。東京美術学校を追われた天心は、新時代にふさわしい日本画を創造するという理想のもと、寺崎広業、横山大観、菱田春草ら近代日本画の旗手を育成した。やがて彼らは西洋の遠近法や陰影を研究し、「朦朧体」と揶揄された描法によって、日本画の革新を模索する。さらに、天心亡き後の再興日本美術院では、今村紫紅や前田青邨、速水御舟ら次世代の画家たちが、伝統と革新のせめぎあいの中で、独自の画風を様々に展開していく。 本展では、現在長期休館中の横浜美術館のコレクションから、日本美術院に所属した21作家48作品を厳選。明治から昭和に至るまで、日本美術院が近代日本画壇にもたらした精華を堪能できる。

東洋文庫は、三菱第三代社長岩崎久彌が、1924年に設立した東洋学分野における日本最古・最大の研究図書館である。その蔵書は国宝5点、重要文化財7点を含む、約100万冊に及ぶ。 そこには誰しもがかつて教科書で見たような有名な書籍や、美しい図版、珍しい動植物の図鑑、スケッチや絵画、古地図の類があり、鑑賞者の目を楽しませるものばかりだ。 本展は、これらの書籍を通じて「東洋」と呼ばれた地域をめぐり、日本を含む東洋が、「西洋」、そして世界とどのような関わりをもってきたのかを展示。また、東洋文庫の資料は第二次世界大戦中、宮城県に疎開しており、宮城とのつながりについても紹介する。

駿府博物館の所蔵品を中心に、江戸時代後期から現代に至るまでの郷土・静岡の画人、画家を展覧します。江戸時代後期の穏やかな文人画家の描く南画から、伝統的技法を受け継ぐこまやかな近代の画人、そして現代の女性たちが描く華やかな女性画・少女画まで、郷土静岡県が生んだ芸術家の作品の数々をご堪能ください。

作家は自分のスタイルを確立していく過程において、様々なものごとを見聞きして吸収する。なかでも、若き日に出会った師の教えは、最も大きな影響を与える要素のひとつだろう。それはのちに作家活動の芯になるまでの重要性をもったり、師の示唆がターニングポイントになったりする場合もある。本展で紹介する石川ゆかりの作家たちもそれぞれ、様々な場・様々なかたちで師弟関係を結び、厳しい修行を経て自身の作風を追い求めていった。 今回はそんな師弟の関係性に注目。石川県ゆかりの作家とその師の作品を同時に展示し、それぞれの作家が受けた影響やその後の新たな創造への軌跡を、豊富なエピソードとともに紹介する。西洋に飛び出した作家、あこがれを込めて私淑した大家への想い、学び舎での得難い時間――。作家たちの足跡は、かれらのバックボーンを支える重要な経験となり、これらひとつひとつの積み重ねが、今日の石川の美術をつくった作家を育てていった。石川の美術形成を担った作家たち、そしてかれらを育てた巨匠たちの共演が楽しめる。

フェルメールの初期の傑作《窓辺で手紙を読む女》。このたび修復によって塗り潰されていた背景のキューピッドが現れ、描かれた当時の姿を取り戻した。 本展では、所蔵館であるドレスデン国立古典絵画館に次いで世界に先駆けて公開。所蔵館以外での公開は世界初で、北海道は東京を経て国内2番目の会場となる。また、あわせて同館が誇る17世紀オランダを代表する名品約70点を展示する。

愛知県を拠点に50年以上活動を続ける作家・庄司達（しょうじさとる）の個展。1968年、この地方で活躍する多くの美術家を育てた桜画廊で初個展を開催して以来、布を使った作品を数々発表してきた。本展では、デビュー作である〈白い布による空間〉シリーズ7点と〈Navigation〉に加え、〈Cloth Behind〉の新作を展示する。 とくに、〈Navigation〉のシリーズから、「アーチ」「フライト」「レベル」の3種類すべてを一堂に展示するのは、本展が初めてとなる。 美術館の壁や天井、床などに、白い布が寄り添うようにして生まれる空間は、まるで広々とした庭のように、人々が行きかい、安らげる場所となるだろう。本展は、0歳を超えた今も、つねに思考し、新たな表現に挑戦し続ける庄司達の集大成となる。

「工藝を我らに」は2015年から始まった、資生堂アートハウス主催のグループ展。本年のメンバーは、十四代 今泉今右衛門（陶藝）、中條伊穗理（漆藝）、三代 𠮷羽與兵衛（金工）、安達征良（ガラス工藝）の4名。メンバーによる新作に加え、アートハウスの収蔵品や古美術、工業製品など、制作された時代や地域、方法にこだわることなく選ばれた器や道具類を組み合わせ、実際に生活の中で工藝品を用いる場面を想定しての構成が見どころとなる。今回は従来の展示に加え、メンバーが共同で制作した「茶箱」や、愛用の品々を持ち寄って組み合わせた「酒宴箱」など、新たな企画も。「第二次 工藝を我らに」は今年で3回目を迎え、メンバーは本展を舞台に、機知と創意に満ちた新しい制作に打ち込んでいる。会場には生活を楽しみ、人生を彩るためのさまざまなヒントが散りばめられている。 本展は、文化によって生活を彩り、美しさによって暮らしを豊かにしたいと願った資生堂の思いを展覧会の形で表現している。

写真が19世紀に発明され普及し始めた頃と時を同じくして、絵画は印象派をひとつの起点として、それまでの伝統的な表現から大きな変革を繰り返し、そのモチベーションには写真の存在が少なからずあった。他方写真は19世紀半ばの誕生の頃より、美術作品として、記録的な目的ではない絵画的な表現が模索され、その意識はその後も現代に至るまで綿々と続いている。現代の作家、柴田敏雄と鈴木理策の写真作品には、人間がものを見て表現するという、近代絵画に共通する造形思考が感じられる。今回のジャム・セッションは、両作家がその活動の初期より関心を寄せ続けていたセザンヌの作品を起点に、現代の写真作品と絵画の関係を問う試みとなる。

人間が土地を移動することは一種の習性といえるのだろうか？古来よりお伊勢参りや四国のお遍路をめぐる旅から、近年では行先未定のバックパッカー体験記がベストセラーとなったように、“未知の世界を知りたい”という好奇心を芽とした移動は、生物学にみても同じく移動をする渡り鳥や魚類の遡上・回遊とは一線を画す。 本展では、自らが暮らす場所の地層を掘り下げた髙橋常雄、田中恒、髙橋武の視点から出発し、インスピレーションの源泉を求めて国境を越え海外へ渡った、深谷徹、中村節也、狩野守らによる表現の飛躍を、アーツ前橋のコレクションから再検証する。こうした物理的な移動に加え、詩的な空想の世界へと旅をした東宮不二夫、正田壤、武澤久の作品や、アーツ前橋の多文化共生プロジェクト〈イミグラジオ〉など約30点の作品・資料を展示する。 ※会期中展示替えあり

江戸時代、中国舶来の絵画に描かれていた風景は「写意」を重んじた心象風景であった。やがて、この「写意」の表現に、実際の景色（実景）を取材した成果を取り入れる描き方―「真景図」―が流行し始め、先人の模倣だけでは到達することのできない真の山水図を描く方法として後の文人画家たちにも受け継がれていった。 開国後、明治維新を経て様々な外国文化が流入し、文人画や南画における風景表現も西洋絵画の影響を大きく受けたが、これまでに培われた文人の精神を引き継ぎながら新しい時代の風景表現を試みる画家たちも多く現れた。 本展では、江戸時代に隆盛した文人画と明治以降の南画に描かれた山水風景の表現の違いや共通点に注目する。

創設者　松岡清次郎は自らオークションや公募展に出向き、琴線にふれる作品とのめぐりあいを積み重ね、約2400点のコレクションを蒐集した。また、清次郎が愛した芸術も様々な人やモノ同士のめぐりあいの上に成り立っている。 今回、館蔵の中国陶磁、中国絵画、日本画、西洋画、能面などのコレクションを再構成し、３会期連続で「出会い」をテーマにした企画展を開催。そのVol.1となる本展では、「二色(ふたいろ)の美」「故(ふる)きを温(たず)ねて」「中国青銅器　形と用途」を開催。２トーンカラーの中国陶磁、故事に由来する日本画、形と用途に着目して中国青銅器を紹介する。作品との出会い、また作品に内包された様々な出会いを楽しんでほしい。

我が国の書は飛鳥時代以降、中国の書法を取り込みながら和様化していくが、その中で平安時代には仮名が誕生するなど日本独自の文化が開花した。平安時代・鎌倉時代の優れた筆跡は南北朝時代には「古筆」と呼ばれ、今日に至るまで尊重されてきた。「古筆」は、一般的に平安時代・鎌倉時代の和歌を書いた筆跡を指すが、広くは古人の優れた筆跡や絵画のことを意味し、歌書だけではなく、写経や物語、懐紙や短冊、日記や書状など、その内容は様々である。色とりどりの料紙を用い、優美な線で書かれた筆跡には当時の美意識がうかがえる。これらは、のちの時代に賞玩されるなかで、切り分けられて古筆切（断簡）として鑑賞されるものも少なくない。古筆切は、鑑賞や蒐集を目的として掛軸や手鑑（古筆切を貼り込んだアルバム）に仕立てられ、多くの人の眼を楽しませてきた。 本展では、出光美術館の書の優品を厳選して、魅力あふれる古筆の世界を紹介。この度、綺麗によみがえった国宝の古筆手鑑「見努世友」も、修復後はじめて大公開する。

江戸時代の京都では、仁清や乾山の色絵陶器、染付や金襴手のような中国陶磁を写した永樂家の陶磁器など、絵のある陶磁器が多く焼かれ、それらが今日の京焼へとつながっている。 「江戸店持（えどだなも）ち京商人（きょうあきんど）」として、京都に居住した豪商三井家は、茶の湯を通じて仁清や乾山につながる永樂家の陶磁器を好み、長年にわたり親交があった。今回の展覧会は館蔵品のなかから、仁清・乾山をはじめ、写しの世界ともいえる永樂保全・和全の陶磁器を中心に、そのもとになった中国陶磁もあわせて展観する。 館蔵品としておなじみの陶磁器だが、今回は描かれている絵や文様の世界に注目して紹介する。

大阪市立美術館は1936年5月1日に開館した。2022年は86周年を迎えるとともに、秋から約３年間の大規模改修工事に入る予定だ。長期の休館を前に、館蔵品による特別展を開催する。 同館は、関西の経済界で活躍した阿部房次郎が収集した中国書画、山口謙四郎による中国の石造彫刻・工芸などを中心に、国内屈指の中国美術コレクションを所蔵していることが特色である。このほか工芸・仏画・近世および近代絵画といった日本美術にも、中国との関わりを多彩に示す同館ならではの作品が揃う。 本展では、中国美術とその影響を受けた「華風＝中国風」の日本美術を選りすぐって、中国文化の魅力と広がりを紹介する。 ※会期中展示替えあり

青森の自然に魅せられ、北国の光と風が織りなす四季を彩り豊かなガラス作品にうつし取り、ガラス工芸に新たな息吹を吹き込んだ作家、石井康治（1946～1996）の初の本格的な回顧展を開催します。 石井は千葉県に生まれ、1971年に東京芸術大学工芸科を卒業。ガラス壜を製造する東洋ガラス株式会社に就職して製品デザインを担当する一方、自身でもガラス作品の制作を始め、77年からは退社して創作活動に専念します。 制作の場を求めて訪れた青森で、四季のうつろいと共に自然がみせる豊かな色彩と鮮やかな変化に魅了され、1991年には、青森市郊外の三内丸山に念願のアトリエ「石井グラススタジオ青森工房」を開設。青森の四季折々の美しい表情を作品にとどめようと探求を重ね、「彩烈文」（さいれつもん）、「汎状文」（はんじょうもん）、「環象文」（かんしょうもん）、「彩花文」（さいかもん）、「彩硝文」（さいしょうもん）など、独創的な文様技法を次々と考案していきます。 1995年には、自身の創作における一つの到達点と自負する四季の「樹映」（じゅえい）シリーズが生まれますが、翌96年の11月、青森で急逝します。 「色ガラスを用いて自分のイメージを詩のような感じで作りたい」―石井はこう語り、創作のテーマを「詩・季・彩」（し・き・さい）という言葉で表していました。生命の息吹と共に華やぐ春、爽やかな初夏から鮮烈な夏、秋の燦めく彩り、そして冬の雪がみせる様々な表象。残された作品は、今も彼の愛した青森の四季を謳う一編の詩のように私たちに語りかけてきます。 本展では、青森を制作の地に選び、その自然風土を、鮮やかで繊細な色彩と流麗で端正な造形による作品へと昇華させた石井の創作活動の軌跡を紹介します。

日本のリアリズム絵画を代表する画家・野田弘志（1936～）の最初期から近作まで、60年以上におよぶ創作活動の全容を回顧する展覧会。 学生時代の作品や、広告会社時代のイラストやデザイン、そして画壇デビューを果たした頃の細密な静物画群、近年手掛けている等身大肖像のシリーズ「聖なるもの」「崇高なるもの」までを網羅。 人物・静物・風景、いずれのモチーフを前にしても、一貫してひたすらに見つめ、描くことで「在る」ということを突き詰めようと、野田弘志が歩んできたリアリズムの道をたどる。

古典文学に見られる、神秘や幻想に満ちた魅惑的な世界観や、多様な登場キャラクターとその複雑な人間関係は、時代の流れとともに様々な人の手によって部分的に脚色され、原典と異なる部分が見受けられる。それら複雑な古典文学は、多くの芸術家たちに愛され、絵画や彫刻といった芸術作品に大きな影響を与えた。スペイン出身の画家サルバドール･ダリ（1904～1989）もそのひとりだ。 本展では、サルバドール・ダリの作品を中心とした同館コレクションを通して、主題となっている神話や聖書、物語を今一度振り返る。芸術家たちによって再解釈された物語の原典とは一体どんな内容だったのか、そして後世ではどのように継承されていったのか、作品に描かれた物語の変遷や歴史といった“ヒストリア”を見ていく。神秘と幻想の世界を通して、作品の魅力を再発見できることだろう。

長谷川等伯(1539～1610)は能登七尾出身で、桃山時代に活躍した日本を代表する画家である。同館では、平成８年から毎年シリーズで「長谷川等伯展」を開催し、国宝「松林図屏風」(東京国立博物館)や国宝「楓図壁貼付」(京都市・智積院)を筆頭に数々の等伯や長谷川派の作品を展示、紹介してきた。 近年の「長谷川等伯展」はコロナ禍により、令和２年度が内容を変更して開催、令和３年度は会期半ばでの中止を余儀なくされた。そこで令和４年度は、等伯の水墨による濃淡の妙を展覧する一方、豪華な金地を含む華やかな着色画という、両対照の魅力をそれぞれ紹介する。 《水墨・濃淡の妙》《着色・彩りの美》《長谷川派の着色・金碧画》の３テーマによる、七尾初公開作品や「複製松林図屏風」を含めた18点が楽しめる。

季節をあでやかに彩る花。その美しさを留めておきたいと誰もが願い、古来多くの画家が筆をとってその姿を写した。 本展では、横山大観の「春」、菱田春草の「春庭」に加え幻想的な夜桜を描いた加山又造の大作「おぼろ」など近代日本画の巨匠たちによって描かれた花や果実の作品を展示する。 本来、同展は昨年4月末に開幕したが、新型コロナウィルス感染拡大による緊急事態宣言の発令を受けてわずか2日間で閉幕したため、この度展示内容を再編成し、さらに充実した内容であらためて開催することとなった。 ※会期中展示替えあり

今も昔も多くの芸術家が愛してやまない京都。福田美術館が立地する嵐山は千年以上前から天皇や貴族が好んだ景勝地であり「小倉山峰のもみぢ葉心あらば」と百人一首にも詠まれているように、紅葉の名所とされていた。江戸時代になると多くの桜が植えられ、花見客でにぎわい、京都の市中に住む円山応挙なども、写生をするため度々この地に足を運んだ。 明治以降は京都画壇の主力メンバーである竹内栖鳳、川村曼舟、冨田渓仙らが嵐山にアトリエを構え、多くの画家が集まった。その中には京都の景色を愛した東京画壇の重鎮、横山大観なども含まれていた。 本展では円山応挙や竹内栖鳳、上村松園など、近世から近代の京都画壇の作品を中心に、京都にゆかりの絵画も展示する。

「平穏無事」「やはり家が一番」「いつもの味」等々、わたしたちは、しばしば、世界が変わらずに繰り返されることと、心の安寧とを、同じように考えることがある。 しかしながら、実際には1日たりとも同じ日などないように、世界とは本来、常に変化を続ける時空間である。馴染みの書店の閉店から、未曽有のパンデミックまで、変化は様々な形で表れ、わたしたちの日々を乱していった。そんな中にあって、わたしたちは同じことを繰り返すことへの志向を持ち、常同的世界の創造に、平穏な日々を支える足場の役割を与えようとする。 「反復」に「平和」を見る……それはいったいいかなる人間的な行為なのだろうか。本展では「繰り返し」をテーマに7人の作者の表現を紹介する。

婚礼は、人生において最も華やかな通過儀礼のひとつと言えるだろう。それゆえ、婚礼の儀式には祈りと喜びの感情が満ちあふれている。そしてその心情を表現するために、花嫁を美しく彩る婚礼衣裳や、婚儀に用いられる様々な調度品、そしてその場を演出するありとあらゆるものには、幸せを祈る色や形、模様が用いられた。 本展は、とりわけこうしたことが、美しくも洗練された形で行われていた江戸時代から昭和初期にかけての女性の婚礼衣裳や婚礼のしつらえを紹介しようとするもの。婚礼に対する日本人の思いと考え方が、これらの品々には表されていて、現代においては遠いものになりつつある、美しい祝いの姿をそこに見ることができる。作品を通して日本における吉祥のイメージを展覧するとともに、これらを生み出した「幸せを願う心」に思いを馳せる機会となってほしい。 ※会期中展示替えあり

1872年に大津県膳所中ノ庄村（現、滋賀県大津市）に生まれた山元春挙は、近代京都画壇を代表する画家のひとりである。円山四条派の伝統を踏まえながらも力強く壮大な画風を創始し、明治、大正、昭和の画壇で華々しく活躍した。特に、当時としては珍しい、カメラを活用した取材から生み出された風景表現は、春挙芸術の真髄と言えるだろう。生誕150年を記念する本展では、館蔵作品のほか各地の春挙の代表作を紹介し、その画業を一望する。

明治末から昭和の初めにかけ日本近代絵画の最前線に立ち、独自の表現性を求め続けた萬鉄五郎。彼は晩年、自らの画業と半生を振り返りいくつかの回想文を残している。 「私の履歴書」（『中央美術』大正14年11月号）では、美術学校時代について「さかのぼって考えるのに面白かったのは、美術学校の五年間であった。この五年間だけがぽっかり陽があたっているというような感じである」と語り、画友や最愛の夫人との出会いなど充実した学生生活にあって、新たな挑戦を開始する。1912（明治45）年の卒業制作には「ゴッホやマチスの感化のある」《裸体美人》（東京国立近代美術館）を発表し、西洋の新しい美術思潮に共鳴しながら、独自表現を追求した成果を世に問いた。 その後、「段々制作にうえる事に」なり、1914（大正3）年に「土沢」に帰郷。「二科会など始まったようであったがそんなものも見たいとも思わなかった。秋から冬、春から夏という風にどんどん描いたものである」と言うように、中央画壇とは距離を置きつつ、生まれ育った地で自身の顔や風景を題材に実験を繰り返し、土沢の「舘山」を描いたといわれる《丘のみち》（萬鉄五郎記念美術館）や、日本におけるキュビスムの記念碑的作品といわれる《もたれて立つ人》（東京国立近代美術館）に昇華させた。 一方、「水彩画と自分」（『みずゑ』大正12年10月号）では、少年期に大下藤次郎著『水彩画之栞』で学んだ経験に加え、1919（大正8）年に茅ヶ崎に移り住んだ後再び水彩画に興味を持って取り組んだことが記されている。その時期の水彩画からは、巧みな色彩感覚と南画研究の成果が融合した萬ならではの水彩表現が見て取れる。 本展では、美術雑誌に掲載された萬の回想録をもとに、作品や当時の写真資料を交えながら、画家・萬鉄五郎の生涯を見つめなおし、彼の歩みをたどる。

本展は、2021年5月から約1年間の延べ3ヶ月のアーティスト・イン・レジデンスプログラムで青森県内でのリサーチを重ね、青森の土地や歴史を再考した新作インスタレーション作品を発表する。 松本美枝子は、出会った人々のものの見方にも触れながら、青森の風景のなかに、厳しい自然の力、あるいは戦争や産業の痕跡などに代表される人為、浮遊する霊魂といった日常に隠れた、しかし確かに生活の基盤をつくり、現代の私たちと繋がる事象を見つけてきた。 青森の風景をみることを通して「土地をまなざすこと」に向かい合う機会となってほしい。

明治時代に進められた殖産興業政策の下、数多くの美術工芸品がつくられ、それらの輸出で獲得された外貨は近代国家建設の礎となった。その一つである七宝焼も、かつて海を渡ったものが少しずつ里帰りすることで、技と美が再発見されつつある。 国内では近年、東京の涛川惣助、京都の並河靖之のようにブランドとして銘を入れた作品は、注目されるようになってきた。しかし、名古屋や現・あま市でつくられた尾張七宝は「銘を入れなくても作品の出来栄えを見れば、誰がつくったかは明らかに判る」との考えが強く、職人たちの間に記銘する習慣が浸透しなかった。日本では東西の「両ナミカワ」に比べると、無銘の尾張七宝はその素晴らしさに反して、正当な評価が得られているとはいえない。逆に海外では有銘・無銘にかかわらず、質の良い日本の七宝焼はすべて高く評価されている。 本展では明治時代のものを中心に、超絶技巧で欧米を魅了した七宝焼の美を紹介する。

日本で唯一のエマーユ専門美術館であるエマーユ七宝美術館では、ジュエリーアーティストでありアンティーク蒐集家である梶光夫が約40年かけて蒐集したアンティークエマーユの数々を展示しています。エマーユとは、フランス語でエナメル七宝のこと。エマーユ七宝美術館では、フランスのリモージュやパリで制作された19世紀のナポレオン3世時代やアール・ヌーヴォー期のエマーユ小箱や絵画、装身具など多彩な作品を展観し、美を求める人々に愛され親しまれたアンティークエマーユ作品の数々を紹介しています。企画展では、特別企画展として館長の梶光夫がジュエリーアーティストとして創作したエマーユジュエリーを展示しています。フランスを代表する現代エマーユ作家の作品や希少なアンティークエマーユにフレームデザインを施した作品を展示し、繊細で美しいミニアチュール・エマーユの世界をご覧いただきます。

1941(昭和16)年、東京に生まれた羽生輝は、7歳の頃に移り住んだ北海道、釧路を拠点に制作活動を続けてきた日本画家である。 作品の主題は道東の浜辺に取材したものが多く、風雪厳しい北国の情景を、鋭く重厚な筆致によって描き出してきた。また近年は釧路湿原を主題とした連作を手がけ、雄大で穏やかな画風の新境地を拓いている。 本展では、初期から近年までの代表作60点とともに、少年期の作品、海外取材作品、新聞連載挿絵原画、関連資料等をあわせて展覧し、半世紀以上に渡る画業の変遷を紹介する。土地に生きることで、実感とともに捉えられてきた、人と自然のかたち。浜辺から湿原へと視線を移しながら、遥かなる岬を50年以上に渡って描き出してきた、羽生輝の日本画世界が堪能できる。

古来から、人々はこの世界に潜む神秘的な力をもつものを、アニミズム、神話や伝説、宗教などによってとらえてきた。 本展ではそのような威力を持つものを「カミ」ととらえて、当館の所蔵コレクションの中から、近代以降の日本画、西洋絵画、彫刻、現代美術などにみられる「カミ」を探る。

大正浪漫を代表する詩人画家 竹久夢二（1884～1934）は、当時は図案とよばれていたデザインの分野でも先駆的な活躍をした。「生活の中の美」を追求し、封筒・千代紙などの文房具や浴衣・帯など日常のデザインのみならず、楽譜や本のデザインなどグラフィックの分野でも豊かな才能を発揮し、今でもデザイナーに影響を与え続けている。 夢二と同じく岡山出身でデザイナーとして活躍している水戸岡鋭治氏（1947～）も駅舎や車両をはじめとした工業デザインをはじめ幅広い分野で人々の生活に豊かさをもたらし、新たな価値を生み出している。水戸岡氏は2014年の竹久夢二生誕130年の記念ロゴマーク、岡山市内を走る路面電車の「竹久夢二生誕130年記念KURO×夢二電車」（岡山電気軌道）など走る夢二郷土美術館をコンセプトにしたデザインや、2017年には夢二郷土美術館創立50年記念のリニューアルの際にデザイン監修も務め、夢二郷土美術館のロゴや夢二との時空を超えたコラボレーション空間となる第6展示室兼ミュージアムショップ＆カフェ「art café 夢二」も手がけた。 2022年（にゃん・にゃん・にゃん）にちなみ、夢二が「ねこ」を描いた作品や夢二郷土美術館のお庭番頭ねこ「黑の助」のマスコット、新たに本企画展のために制作した新作「夢二のねこ×水戸岡鋭治」34点などねこいっぱいの展示や、水戸岡氏が新たにデザインした「夢二タクシー」の2022年春の完成を記念した特別展示をはじめ、竹久夢二と水戸岡鋭治のコラボレーションデザインに用いられた夢二の名品が楽しめる。

植田正治が写真をはじめた1930年代は、言うまでもなくモノクロ写真の時代だった。戦後、日本でもカラー写真の技術が普及し、写真の表現の幅、情報の質や量が飛躍的に拡大していった。しかしながら、多くの写真家がその後も、モノクロの写真表現にこだわり、制作を続けてきた。植田正治もそうした写真家の一人である。 写真家がモノクロ、白と黒の世界に惹かれる理由は、様々だ。ただひとつ言えることは、モノクロ写真には、カラー写真とは異なり、暗室作業、つまり一枚のプリントを生み出す職人的な技術と経験が必要とされたということである。そして、その確かなテクニックが、作家独自のこだわりや創意工夫を生み、表現の幅を無限に拡げていった。植田が遺した多くのプリントの数々がそのことを雄弁に物語っている。 1950年代から徐々に、写真雑誌にも、写真家のカラー作品が掲載されはじめた。植田もカラーでの作品を発表しているが、その後もモノクロ作品にこだわった。1957年、写真雑誌に「白と黒の形態」という連載名で発表された作品がある。自分自身の写真スタイルを模索していた時期でもあり、植田自身、写真表現の原点に立ち帰る試みだったのかもしれない。 本展では、1950年代の作品を中心に、戦前の作品、シリーズ〈童暦〉、〈小さい伝記〉、〈風景の光景〉など、代表的な作品群の中から、白と黒、光と影、明と暗を強く意識した作品の数々を紹介。デジタルでのイメージが身近にあふれている現在、あらためてモノクロ写真のシンプルでありながら、奥深い魅力を実感できるだろう。

奈良原一高(1931～2020)は、戦後を代表する写真家の一人。一貫して人間が生きる条件とは何かをテーマに撮影を続け、新鮮な映像感覚と造形性を重視した表現により評価を得た。 《王国》は1970年の第2回個展で発表された、北斗市のトラピスト修道院と和歌山の女子刑務所を取材した作品である。 本展では、2019年に奈良原自身が再構成して発表した写真集『王国 Domains』の全作品と、同書未掲載の作品をあわせて紹介する。

古来、神と人をつなぐ媒介であった酒。江戸時代以降になると、都市部を中心に庶民層にまで、飲酒の習慣が広がった。「盃を交わす」という言葉にあるように、人々は酒を酌み交わして絆を深めた。次第に飲酒は娯楽の一つとなり、宴の席で酒が愉しまれるようになっていった。 実はこの時期は日本のやきものが大いに発展した時代と重なる。江戸時代には磁器焼成が始まり、また日本各地に大小多くの窯が開窯し、多種多様なやきものの酒器が生み出された。 そして現在に至るまで人々は好みの酒器を使い、愛で、もてなし、遊び心を持ち、様々な思いを込めて酒のうつわを楽しんできた。そこには日本人の豊かな感性が生み出した面白き「うつわ使い」の世界を垣間見ることができる。本展から、日本のやきものの酒器の美しさと豊かさを感じてほしい。

開館20周年を記念する展覧会「Flower of Life 生命の花」では、これまで同館で展示されてきた作品や本展のための新作を含む39作家による作品を紹介する。 同館は、現代社会を生きる人間の複雑な内面を表現したジュリアーノ・ヴァンジの作品を中心に、現代作家の作品を収集・展示することで、来館者がさまざまな美術作品と出会い、日常を立ち止まって見返すための思索の場となることを目指し、活動してきた。 今回の展示作品は、作家の個人的な経験や日々の営みから生まれた作品を中心に据えている。作家たちの鋭い洞察力と感受性を経て表現された作品は、私たちに想像力を喚起させ、世界をまなざすための新しい視点を与えてくれる。そしてふと庭園をみわたせば、人間社会の混乱など知る由もなく、植物や生きものたちが変わらぬ営みを刻々と続けている。視点を少し変えるだけで、私たちの世界は、たくさんの驚きと希望に満ちていることに気づくだろう。

柴田ケイコは、1973年高知市に生まれた。大学を卒業後、個展を重ね2002年よりフリーのイラストレーターとして活動をはじめ、広告や出版、web上などあらゆるジャンルに活動の巾を広げてきた。近年特に絵本の出版が相次ぎ、2016年に最初の絵本として「めがねこ」を出版してから、2017年に「おいしそうなしろくま」がリブロ絵本大賞や、複数の賞を受賞。さらに2020年に「パンどろぼう」は第11回リブロ絵本大賞、Tsutayaえほん大賞のダブル受賞となり、近年ますます注目を集めている。 本展はこのように、近年充実した活動を展開してきた柴田ケイコの作品を多くの方に見ていただく貴重な機会となる。子どもから大人までが楽しめる展覧会、家族で大いに楽しんでほしい。

遠藤の作品は91×182cmのべニア版数枚を合わせた巨大な画面に、一見するとペン画と見間違うほどの細密な木版画である。 本展では第76回版画協会展(東京都美術館)で山口源新人賞を受賞した作品《起床》、FACE展2016-損保ジャパン日本興亜美術賞展(SOMPO美術館)でグランプリ受賞をした《水仙》を始め、幅5mを超える新作《みちびかれて》など、遠藤美香本人が選んだ珠玉の作品26点を一堂に展示する。 さらに、制作で使用した版木もあわせて紹介する。

洋画家・児島虎次郎が、実は古代エジプトの美術品を多く集めていたことはあまり知られていないが、1900年代初頭に収集された虎次郎コレクションは世界的にも稀有な存在である。虎次郎はヨーロッパ留学中に古代エジプト芸術に触れ、その壮大さに心奪われた。自らエジプトの地にも赴き古美術品を精力的に収集、帰国後もそれらにインスピレーションを得た作品を数多く制作した。 本展では日記や作品を通して虎次郎の古代エジプトへの思いをたどるとともに、当時の芸術家ともいえる「職人たち」の観点から古代エジプトアートの謎に迫る。多くはトランクに入るほどの小さな資料だが、芸術家の眼で選ばれた、考古学的にも貴重なコレクションは、きっと古代エジプトアートの奥深い世界へ導いてくれるだろう。

地域にゆかりのある作家の作品を収集・展示している茅野市美術館では、令和4年度第1期収蔵作品展にて「いのち」をキーワードに8名の作家の収蔵作品を紹介する。 そのなかで、2022年に生誕120年を迎える洋画家・小堀四郎（1902～1998）を特集展示する。小堀は自然の尊厳や生命の神秘を描き、自身の信じた芸術の道を歩み続けた。疎開を機に滞在した茅野市・蓼科では、その美しく雄大な自然を感受した作品を生み出している。様々な表情をみせる自然、そしてそこに生きるあらゆる「いのち」の輝きをとらえた作品の数々が楽しめる。

クリム（그림）とはハングルで「絵」の意である。本展では朝鮮王朝時代の動物が描かれた絵を中心に、動物をモチーフとした美術作品を同館所蔵の約70点で紹介する。 朝鮮半島では龍や鳳凰など国の守護神とされる四神が王室の紋章に使われた。朝鮮王朝時代の民画では栗鼠（りす）などの身近な動物を子孫繁栄のモチーフにしたり、虎や猿を山の神として描いた。また長寿を願う十長生の図案として鶴、鹿や亀が屏風、陶磁器、家具や刺繍に取り入れられた。動物たちを大胆愉快に描くまなざしが特徴といえるだろう。生活の身近にあった動物クリムを通して、その地に暮らした人々の希望や祈りの世界を展覧する。 ※会期中展示替えあり

横尾忠則の最新作を紹介する。これらは、新型コロナウィルス感染症の流行によって外出も人と会うこともままならなかった横尾が、アトリエに篭り、制作に打ち込むことで生まれた。 「これまでの作品とは異なるタイプ」と作家が言うように、画家としての新たなステージを示すものとなるだろう。中でも大きなテーマとなっている寒山拾得のモチーフは、中国は唐の時代の僧で、山に住み、詩を詠むも奇行を重ねるという特徴から数々の文学や美術に取り上げられてきた。俗世から離れ創作活動に勤しむ彼らの姿に横尾は何を見たのだろうか。 本展では、これらの新作を一堂に展覧するとともに過去の作品を参照することで、作家自身が「朦朧体」と呼ぶ最新の様式こそが、実は数十年におよぶ絵画との格闘と模索の末に到達した理想の境地だったのではないかということを考察する。

約4000年前に生み出されて以来、人々を魅了し続ける人工の素材、ガラス。20世紀に入ると、ガラスは、装飾品や工芸の分野だけではなく、芸術表現の分野でも更なる可能性を秘めた素材として注目を集め、芸術家自身がデザインから制作までを一貫して手掛けたガラス・アートが誕生した。 本展では前期と後期に展示を分け、ガラス・アート界を牽引する国内外の現代作家6名のガラス作品を紹介。ガラスという千変万化する素材の魅力を存分に引き出し、工芸の分野に留まらない多様なガラス表現を模索するイタリアとアメリカ、そして日本のアーティストたちの個性が豊かに響き合う、ガラス・アートの世界が楽しめる。 ※会期中展示替えあり

徳川家康の入府以降、開発が進み大都市に成長した江戸の町には、地方から様々な理由・目的で人々が訪れている。 本展では地方から訪れる人向けの宿が多かった馬喰町を起点に、日帰りで回れる江戸のスポットを東・西・南・北に分けて紹介した旅行案内図『江戸見物四日めぐり』を参考に、広重が描いた浮世絵で紹介する。 ※会期中展示替えあり

鮮やかな色彩のリトグラフ、黒の美しさが際立つ銅版画など、版画にはさまざまな技法がみられます。情報伝達の有効な手段として発達した版画は、近代以降、芸術を表現する手段の一つとなり、画家や彫刻家らも積極的に版画制作を行なってきました。近現代の芸術家たちがその魅力にひかれ、刺激を受けた版画。本展では、当館のコレクションから選んだ12人の作家たちによる版画作品の数々をお楽しみいただきます。

陶芸家 板谷波山は、明治5 年（1872）茨城県の下館（現・筑西市）に生まれ、昭和28 年（1953）には工芸家として初の文化勲章を受章し、昭和29 年（1954）には日本画の横山大観とともに茨城県名誉県民の第一号となりました。波山は、理想の作品づくりのためには一切の妥協を許さないという強い信念により、端正で格調高い作品を数多く手がけました。その一方で、波山は、故郷のまちと人々をこよなく愛し、共に信頼し、共感し合いながら、生きていくことを大切にした人物でもありました。 令和4 年（2022）3 月3 日、我が街、我が国陶芸界の至宝である波山は、生誕150年を迎えます。現在、自然災害やコロナウイルスの影響により、人々が将来に不安を感じています。そのような時代にこそ、波山の作品に表現された美と祈りの世界に癒され、そして、波山の優しさとユーモアにあふれた人生に触れることが必要ではないでしょうか。そこで、波山の選りすぐりの名作を一堂に集め展覧し、あわせて波山を生んだ筑西の文化的土壌や、波山の人となり、故郷の人々との交流などを紹介するとともに、市内各所でイベントや関連展示などを開催します。本展覧会は、筑西市内の三つの美術館（しもだて美術館・板谷波山記念館・廣澤美術館）の、官民連携による同時開催となります。 しもだて美術館では、泉屋博古館東京が所蔵する国指定重要文化財「葆光彩磁珍果文花瓶」を始めとし、国立工芸館・出光美術館・ＭＯＡ美術館などが所蔵する波山の代表作を一堂に展覧します。 板谷波山記念館では、波山が郷里の人々に贈った観音像や鳩杖の数々を展示するとともに、東京田端にあった波山の工房を、当時の写真をもとに再現します。 廣澤美術館では、板谷波山の彩磁の名品など約50 点、初公開いたします。

日本を二分して天皇をも巻き込む長き戦乱の末に、幕を開けた史上初の武家による治世、鎌倉時代。歴史のうねりの中で、相次ぐ自然災害、流行病、食糧難は社会を混乱に陥れ、人びとの悩は募るばかりだった。 眼前に広がる「末法」を救うため、比叡の山中で仏法を習い究めた若き僧侶たちは立ち上がり、山を降りて民衆に分け入る。その一人が日蓮聖人であった。 聖人は度重なる怨嫉迫害を乗り越え、人びとに寄り添って教導し、社会の安寧を目指された。聖人の滅後は弟子たちがその遺志を受け継ぎ、ついに帝都弘通に踏み出す。その過程において最初に創建されたお寺こそ、青柳厨子本門寺、後の宥清寺である。 応仁の乱からの避難を皮切りに、時時の政策や権力者の圧力による京洛内外の移転を余儀なくされながら、やがて京都の要地・北野に根を下ろす。以後宥清寺は、幕末維新の動乱や急速な近代化を経、今なお日蓮聖人の遺志を継承する『生きた仏教のお寺』として、人びとの心の依り所となっている。 本展は、日蓮聖人御降誕800年にあたり、『日蓮門下関西圏最古の寺院』にスポットを当て、京都北野の歴史とともに、知られざる名刹の由縁を紹介する。

本展は多摩美術大学美術館コレクションから4つのマテリアル「水（みず）・木（き）・金（きんぞく）・土（つち）」にまつわる作品を展示する。 現代において「美術」の意味で使用される言葉「アート＝art」は、その語源を辿ると、芸術はもとより医療術・料理術・説法術など「わざ」全般を指していた。生きるために必要なものをつくる行為と、私たちの心に豊かさをもたらす美術作品の制作は、ともに創造に向かって地上にある素材を用い、わざを駆使するプロセスである。 ここでは水・木・金・土という4つの素材を取り上げ、素材そのものの物質的特性と表現のつながりに目を向けている。古代から現代まで同館コレクションを広く紹介し、人の営みや精神との密接な関係から生まれた多様なイメージを探っていく。身の回りにある素材の細部をみつめて感性をひらくことで、つくり手と素材との間で交わされた幾重もの対話を想像し、人と素材との関係性について改めてかんがえる機会となってほしい。

女優、ファッションデザイナー、プロデューサーなど、いくつもの顔を持つ世界的歌姫ジェニファー・ロペスがプロデュース＆主演を務めるロマンティック・ラブストーリー。ジェニファー・ロペスはまるで本人役のような世界的ポップスターのカットを演じ、抜群の歌唱力を披露するとともに、恋に悩むキュートな姿も見どころ。そして『ワンダー 君は太陽』などに出演するオーウェン・ウィルソンが、カットの新たな恋のお相手となる平凡な数学教師チャーリーを演じる。また、カットの婚約中のスター、バスティアン役をコロンビア出身のレゲトン歌手のマルーマが演じ、映画デビューを果たしている。監督は『ウソはホントの恋のはじまり』のカット・コイロ。

人の心の闇に寄り憑く“アヤカシ”が視えてしまう孤独な高校生・四月一日（ワタヌキ）。その能力を消し去り普通の生活を送りたいと願う四月一日は、ある日、一羽の蝶に導かれ、不思議な【ミセ】にたどり着く。「どんな願いも叶えてあげる。ただし、それに見合う対価をいただく」。妖しく美しい【ミセ】の女主人・侑子は、四月一日の願いを叶えるために、彼の“一番大切なもの”を差し出すように囁く。四月一日は、侑子のもとで暮らし【ミセ】を手伝うように。やがて同級生の百目鬼やひまわりとも仲を深めていき、悩みを抱えた人々と出会ううち、想像を超える大事件に巻き込まれていく…。 耽美的なビジュアルで超常現象を描き、カリスマ的な存在となっている創作集団・CLAMPの大ベストセラーコミックを実写映画化。高校生・四月一日を演じるのは、数々のヒット作・話題作に主演する実力派俳優・神木隆之介。特殊な能力のせいで人と距離をとり、普通の生活を送りたいと願っている青年を繊細に、力強く、演じ切る。そして、どんな願いも叶えるという不思議な【ミセ】の女主人・壱原侑子を演じるのは、女優で歌手の柴咲コウ。四月一日の能力を見抜き、対価と引き換えに彼の願いを叶えようと申し出る妖しく美しい女性を、エキゾチックな美貌と卓越した演技で体現する。監督を務めるのは、世界屈指の写真家であり、『さくらん』『Diner ダイナー』を監督した蜷川実花。

フェルナンド・ボテロは世界中の人々から愛される、存命するアーティストのひとり。“最もコロンビア人らしい芸術家”と呼ばれ、人間や動物を誇張したふくよかな体型で表現した作品で注目されるようになった。彼の個性的なアート作品は即座に認識されるが、彼がどのようにして「マエストロ」になったのかは広く知られていない。メデジンの田舎出身の無名画家が、いかに芸術界の頂点へと自らを導いたのか。貧困、長年の厳しい批判、4 歳の息子の悲劇的な死、これらを乗り越えた彼の静かな決意と強さ、絶え間ない構想、揺るぎない信念とは…。 独自の画風を確立したコロンビアの巨匠、フェルナンド・ボテロの素顔と、独創的で多幸感あふれる作品の数々に迫るドキュメンタリー。世界中から愛され89歳の現在も創作を続けるアーティスト、フェルナンド・ボテロがいかにして芸術界の頂点にたどり着いたのか。ヨーロッパ、NY、中国、コロンビアで長年に渡り撮影されてきた映像と、ボテロ本人やファミリー、歴史家、キュレーターの証言を組み合わせ、その素顔に迫る。自らの作品を全て寄付して作られたボテロ美術館の内部や、カリフォルニア大学バークレー校に寄贈されたアブグレイブ刑務所を描いた絵画など、様々な作品が映画の中で堪能できるのも見どころだ。

日本でも根強い人気を誇るポップ・バンド、スパークスが、ストーリー仕立てのスタジオアルバム「アネット」として構築していた物語を映画化。人気スタンダップ・コメディアンのヘンリーをアダム・ドライバー、一流オペラ歌手のアンをマリオン・コティヤールが演じる。監督は『ホーリー・モーターズ』以来8年ぶりとなるレオス・カラックス。劇中全編を歌で語り、全ての歌をライブ録音するというこだわりと、カラックスならではの映像美が相まって唯一無二の作品が完成。第74回カンヌ国際映画祭にて監督賞を受賞。

東京生まれ東京育ちの絵里は、ストレスが溜まる都会での生活を抜け出して、地方の水辺の街でヴァカンスを過ごすことに。亡くなった祖母の古民家で暮らす1週間の中で、絵里はその街で生きている人々と交流する。建築家の従兄、そのフィアンセ、大学生の従妹、靴職人、古墳研究者、バックパッカーなど、一癖ある人ばかり。そんな出会いと祖母の遺したものたちが絵里を少しだけ変えていく…。 島根県オールロケで贈る日本発のヴァカンス映画。主演はモデルとして活躍し、『愛の小さな歴史 誰でもない恋人たちの風景 vol.1』などで女優としても活躍する瀬戸かほ。また、1970年代の日活映画で活躍した伝説の女優・小川節子の約45年ぶりの復帰作。監督は、本作が劇場デビュー作となる永岡俊幸。

ブラジルの小さな街に引っ越してきた17歳のヴァレンティナ。彼女は出生届の名であるラウルではなく、通称名で学校に通う手続きのため蒸発した父を探している。新しい友人や新生活にも慣れてきたが、自分がトランスジェンダーであることを伏せて暮らしていた。そんな中、参加した年越しパーティーで見知らぬ男性に襲われる事件が起きる。それをきっかけにSNSでのネットいじめや、匿名の脅迫、暴力沙汰など様々な危険が襲い掛かるのだった…。 ブラジルの現在を生きる17歳のトランスジェンダーを描いたドラマ作品。LGBTQの権利保障に前向きに動き、同性婚も認められているブラジル。その一方で、トランスジェンダーの中途退学率は82%、そして平均寿命は35歳と言われている。本作では、トランスジェンダーの少女が、あるがままでいることの難しさと、力強さを描く。ヴァレンティナ役は、自身もトランスジェンダーであり、著名なYou Tuberでインスタグラマーとしても活躍するティエッサ・ウィンバック。監督は、ショートショートフィルムフェスティバル＆アジア 2009でオーディエンス・アワードを受賞した『秘密の学校』のカッシオ・ペレイラ・ドス・サントス・

天才的な頭脳を持つドクター、マイケル・モービウス。幼い頃から治療の術がない血液の難病を患っていた。その類まれなる才能からノーベル賞という名誉も手にしたモービウスは、ドクターとして多くの命を救いながらも、己の病を治す方法だけを見つけられずにいた。時間だけが刻々と過ぎてゆき、忌々しい血液が彼の命を蝕んでいく。やがてモービウスには、コウモリの血清を使い、自らの体の人体実験に手を染めてゆく。その代償を知らないままに…。 米コミックス倫理委員会はコミックにおけるヴァンパイアの登場を長らく規制していたが、1971年、マーベル・コミックが出版した「アメイジング・スパイダーマン」で初めてモービウスが登場した。マーベル・コミックではスパイダーマンの宿敵として知られるモービウスを演じるのは、『ダラス・バイヤーズクラブ』でアカデミー賞助演男優賞を受賞した演技派ジャレッド・レト。監督は『デンジャラス・ラン』『ライフ』のダニエル・エスピノーサ。

広島県備後市。ヤス（市川安男）は、愛妻との間に待望の息子アキラ（市川旭）を授かったが、ようやく手に入れた幸せは、妻の事故死で無残にも打ち砕かれてしまう。親の愛を知らずして父になったヤスは、仲間たちに助けられながら、不器用にも息子を愛し育て続けた…。 重松清のベストセラー小説を、オリジナルエピソードを追加して映画化。主人公のヤスこと市川安男役には、数々の人気作に出演し、『テルマエ・ロマエ』「下町ロケット」などで大ヒットを飛ばした阿部寛。息子・アキラこと市川旭役を、『思い、思われ、ふり、ふられ』『とんかつDJアゲ太郎』『東京リベンジャーズ』の北村匠海が演じる。監督は『64 -ロクヨン-』『8年越しの花嫁 奇跡の実話』『糸』の瀬々敬久。

中国隋朝末期。激しい動乱の最中、圧政を強いるワン将軍に父を殺された青年ショウホは重傷を負い、少林寺の門前で倒れたところを助けられる。心優しいタン師父や師父の娘パイらの介抱で元気を取り戻したショウホは、父の敵を討つことを誓って少林寺の仏門に入り、厳しい修行の末、立派な少林拳士へと成長していった。しかしワンの魔の手はついに少林寺にも迫り、ショウホは師父と若き勇敢な僧侶らとともに、ワン将軍の軍勢に決戦を挑む。 あらゆる武術のルーツといわれる少林拳の数々を駆使して、悪の手から少林寺を守る若い僧たちの活躍を描くアクション映画。主演を務めるのは、アジアを代表する世界的アクションスター、ジェット・リー。当時は本名のリー・リンチェイで出演しており、本作が記念すべき映画デビュー主演作。2022年4月15日より4Kリマスター版を劇場公開。

ソヴィエト崩壊後、2004年のロシア、エカテリンブルグでインフルエンザが流行する中、ペトロフは高熱にうなされる。妄想と現実の間を行ったり来たりするうちに、次第にペトロフの妄想は、まだ国がソヴィエトだった子供時代の記憶へと回帰していく…。 ロシア文学界でセンセーションを巻き起こしたアレクセイ・サリニコフによるベストセラー小説を映画化。監督は、ロシア演劇界の鬼才であり、『The Student』『LETO-レト-』で数々のカンヌをはじめとする数々の映画祭で賞を受賞するなど、映画監督としても世界から注目を浴びているキリル・セレブレンニコフ。

「アリアとマリア」…植物園で互いの宿命を解析し合う少女たちの物語。「Blue Through」…キャンピングカーで旅に出る男女の刹那の交流を描いた物語。「M」…監督自身の送った手紙をもとに大森靖子氏が書き下ろした楽曲を使用した喪失と祈りを描く讃美歌。 たった一人に語りかけるように、切実で美しい言葉を手向けるAV女優・文筆家の戸田真琴。2019年、「戸田真琴実験映画集プロジェクト」と称して、自らの人生における大きな喪失のようなものをベースに、言葉と映像で語り直すことを試みた。本作は、その中で生まれた3本の短編。戸田が全作品の脚本を執筆・初監督を務める。

コロナワクチンのニュース特集のオンエアー日。特集を制作したテレビ局員が監禁された。場所は、地下の編集室。監禁されたのは、ディレクターの男女と編集マンの3人。果たして、誰の仕業なのか？時を同じくして、5人のテレビ局員が会議の為、招集されていた。場所は、25階の取締役員室。ニュース特集に問題が発覚したためだ。天と地で繰り広げられる人間模様。それはやがて憎しみに満ちた復讐劇へと発展していく…。 監禁されたテレビ局員と密談をする5人のテレビ局員。ビルの地下と最上階で繰り広げられる人間模様を通して描くリベンジスリラー。監督は『狂覗』『超擬態人間』の藤井秀剛。

北欧フィンランド。12歳の少女ティンヤは、完璧で幸せな自身の家族の動画を世界へ発信することに夢中な母親を喜ばすために全てを我慢し自分を抑え、体操の大会優勝を目指す日々を送っていた。ある夜、ティンヤは森で奇妙な卵を見つける。家族に秘密にしながら、その卵を自分のベッドで温めるティンヤ。やがて卵は大きくなりはじめ、遂には孵化する。卵から生まれた“それ”は、幸福な家族の仮面を剥ぎ取っていく…。 少女が孵化させた卵が、絵に描いたような幸せな家族のおぞましい真の姿をさらしていく北欧イノセントホラー。主人公・ティンヤを演じるのは、本作が初演技となるシーリ・ソラリンナ。母親役をフィンランドで多くの作品に出演するソフィア・ヘイッキラが演じる。メガホンをとるのは、多くの短編作品を世界の映画祭に出品して高い評価を受け、本作が長編デビュー作となる新鋭女性監督ハンナ・ベルイホルム。

NYでラジオジャーナリストとして1人で暮らすジョニーは、妹から頼まれ、9歳の甥・ジェシーの面倒を数日間みることに。LAの妹の家で突然始まった共同生活は、戸惑いの連続。好奇心旺盛なジェシーは、ジョニーのぎこちない兄妹関係やいまだ独身でいる理由、自分の父親の病気に関する疑問をストレートに投げかけ、ジョニーを困らせる一方で、ジョニーの仕事や録音機材に興味を示し、二人は次第に距離を縮めていく。仕事のためNYに戻ることになったジョニーは、ジェシーを連れて行くことを決めるが…。 9歳の甥との突然始まった共同生活の中で、ぶつかり合いながらも歩み寄ろうとする二人の想定外の日々が愛おしさに変わるまでを描いたヒューマンドラマ。主人公・ジョニーを演じるのは、演技派俳優としての地位を確立してきたホアキン・フェニックス。監督・脚本は、『人生はビギナーズ』『20 センチュリー・ウーマン』など身近にいる大切な人をテーマに描き続けるマイク・ミルズ。

2013年にパーキンソン病と診断され歌手活動を引退した、アメリカ西海岸を代表する稀代のシンガー、リンダ・ロンシュタットの半生を描くドキュメンタリー。「悪いあなた」「夢はひとつだけ」など幾多の全米ナンバーワン曲とミリオンヒットアルバムを叩き出し、グラミー賞を10度受賞。ロック、ポップス、カントリーからソウルに至るまで、どんなジャンルの曲も歌いこなし、1979年には日本武道館を含む複数都市でのツアーも成功させるなど日本でも人気を誇ったリンダの輝かしい栄光と知られざるその後に迫る。

映画業界で最も重要な仕事の一つでありながら、最も知られていない仕事=キャスティング（配役）。本作はその概念を一新させ、ハリウッドで長年活躍したキャスティングの先駆者マリオン・ドハティ（1923-2011）を中心に、キャスティングという仕事に迫るドキュメンタリー。絶妙なセンスと直感的な先見の明を頼りに、白人男性至上主義の根強いスタジオシステム方式から、ユニークで多様なアンサンブルキャストへ移行する道筋をつけ、革新的なアメリカン・ニューシネマの到来を告げたマリオン。本作はまた、キャスティングへの再評価と、現在アカデミー賞が取り組む変革（2025年開催の第96回以降は作品賞候補に“インクルージョン（包摂性）”の評価も条件に入る等）にも重要な役割を果たしたと高く評価されている。

60年代以降、圧倒的な独創性とともに音楽史上最大規模のディスコグラフィを築き上げたアメリカの作曲家、編曲家、ギタリスト、ロック・ミュージシャンであり、あらゆる芸術における先駆であったフランク・ザッパの革新的人生に迫る、初の遺族公認ドキュメンタリー。アーカイヴ貯蔵庫への自由なアクセス権とそこに含まれた素材により、当時の政治的混乱から逃れることのなかった巨人の音楽キャリアとその背後にある私生活を探求する。単なるミュージシャンのドキュメンタリー映画とは一線を画したアカデミックな内容と、伝説的なアーティストの妥協なき精神を描いた作品となっている。監督は、「ビルとテッドの大冒険」シリーズに出演するなど役者としても活躍し、『ミュータント・フリークス』などを監督するアレックス・ウィンター。

とある地方都市。かつて霊が出るという噂で有名だった廃団地。女子大生・史織が同じ大学に通う啓太・真帆と共に興味本位で訪れると、なぜかそこには数多くの住人たちがいる。3人が調査を進めようとすると、突如激しい＜怪奇ラップ現象＞が起る。そして、目の前で住人が飛び降り自殺をしてしまう…。驚く3人だが、住人たちは顔色一つ変えない。何が起きているのか理解できないまま、その後も続発する、自殺とラップ現象……住人たちは、恐怖する若者たちを優しく抱きしめ、仲間にしようと巧みに誘惑してくる。超常現象、臨死浮遊、霊の出現…「神秘的体験」に魅せられた啓太や真帆は洗脳されていく。仲間を失い、追い詰められた史織は、自殺者が運び込まれた建物内へ侵入するが、そこで彼女が見たものは、思いもよらぬものだった…。 実際に起きた幽霊団地事件を基にした都市伝説ホラー。主人公・史織を演じるのは、『成れの果て』の萩原みのり。そして啓太役を『夏、至るころ』『衝動』の倉悠貴、真帆役を『フェイクプラスティックプラネット』の山谷花純が演じる。監督は『リトル・サブカル・ウォーズ～ヴィレヴァン！の逆襲』の後藤庸介。

高度成長にわく1965年。受験勉強のため、東京から祖母の家がある片田舎に帰ってきた中学生の則夫は、ふとしたきっかけで、山から山へ放浪の旅を続けるサンカの家族と出会う。一方的な価値観を押し付けられ、生きづらさを抱えていた則夫は、既成概念に縛られず自然と共生している彼らの姿に魅せられていく…。 北日本の馬文化に密着したドキュメンタリー映画『馬ありて』で注目された新鋭・笹谷遼平監督が、伊参スタジオ映画祭シナリオ大賞を受賞した脚本を元に映像化。笹谷監督初の長編劇映画作品。高度経済成長中の1965年、都会の中学生の少年が、戸籍を持たずに山から山へ放浪の旅を続けてきた人々「サンカ」の家族と出会い、自然の中から生きることを学んでいく物語。主人公・則夫を演じるのは『半世界』『罪の声』『孤狼の血 LEVEL2』など話題作に出演する若手実力派俳優・杉田雷麟。

慶長十九年、大坂。方広寺鐘銘事件を発端に、豊臣と徳川の衝突は避けられないものとなっていた。戦国時代最後の戦いとなる大坂の陣が目前に迫る時代に、本丸より出陣した六振り。徳川陣営の偵察を進める一期一振、鯰尾藤四郎、骨喰藤四郎。時間遡行軍による干渉は確認できなかったが、徳川本陣を偵察した鯰尾が、家康の傍で怪しげな従者を見かけたと報告する。さらなる調査のため、再び徳川本陣の偵察へと向かう鯰尾と骨喰。一期は異変を知らせるため、隊長である山姥切国広たちのもとへと向かった。その頃、山姥切、加州清光、宗三左文字は、潜入調査のために真田丸に入り込んでいた。大坂冬の陣の要となる出城であったが、未だ改変の兆しは表れていなかった。山姥切たちはその真田丸で、かつて小田原の地で戦った男と再会する。今は豊臣秀頼に仕えているという男の存在に、山姥切は不穏な気配を察するのだった。真田丸で合流した一期は成りゆきから、時間遡行軍に命を狙われる秀頼を護衛することとなる。 PCブラウザ・スマホアプリゲーム「刀剣乱舞-ONLINE-」を原案に、末満健一が脚本・演出を手掛けたストレートプレイ版の舞台化作品の劇場版。舞台「刀剣乱舞」5周年を記念し、過去の人気舞台を劇場上映するプロジェクトの第4弾。

小さな農村で精米所を運営しながら友人や近隣の人たち穏やかに暮らす青年ソックは、30代だが知能は8歳くらい。ある日、村の祭りでスリが現われる。最近、村に来たばかりの家出少女ウンジが犯人だと皆が誤解する中、ソックが真犯人を捜し出す。それ以来、ソックとウンジはふたりだけの時間を過ごすようになる。ウンジを保護していたキム先生はふたりの関係を心配していた。そんなある夜、ソックの精米所にひとりでいたウンジに、予期せぬ事故が起こってしまう……。 友情をはぐくんでいた知的障がい者の青年と父親を捜す少女のふたりが、予期せぬ出来事によって翻弄されるさまを描いた本作。これが長編映画初挑戦となったキム・ジョンシク監督（脚本も）が、出演者たちの繊細な演技を引き出すとともに緻密な物語で人間の内に潜む偏見を炙り出し、「第23回釜山国際映画祭」で高い評価を得た。ソックを演じたのは、韓国ドラマ「賢い医師生活」のキム・デミョン。村の中で孤立していく心情を持ち前の演技力で表現し、観る者の心をつかむこと必至だ。一方、家出少女ウンジを演じるチョン・チェウンは、映画雑誌「Cine21」が主催した新人発掘オーディションからデビューを果たした新星。デビュー作とは思えない繊細さで演じている。

『白骨街道 ACT1』『僕の帰る場所』を上映。

『マズルカ』『潮騒』『恋愛フィクション』『乱坊』『翼なき刑事たち』を上映。

東映時代劇看板スターとして日本映画界の全盛期を支えた中村錦之助（萬屋錦之介）。その生誕90周年を記念して、内田吐夢監督「宮本武蔵」五部作が、初めてのデジタルリマスター版にて上映。『宮本武蔵』『宮本武蔵 般若坂の決斗』（4/29～5/5）、『宮本武蔵 二刀流開眼』『宮本武蔵 一乗寺の決斗』（5/6～5/12）、『宮本武蔵 巌流島の決斗』（5/13～5/19）を上映。

ITエンジニア限定のeスポーツ大会。競技タイトルには、『フォートナイト』のデュオモードを採用し、最大80チームが頂点を競う。

賞金総額30万ドルをかけた『チームファイト タクティクス』の世界大会。大会の模様は、全日18時よりYouTubeおよびTwitchで配信を行う。

ASIA、ASIA PACIFIC、AMERICAS、EUROPEの4つの地域でそれぞれ行われるPC版『PUBG』の国際大会。「PCS6 ASIA」には、東アジア地域で行われた「PUBG Weekly Series」から8チームと、中国のプロリーグ「PUBG Champions League」から8チームの計16チームが参加する。国内からは、「DONUTS USG」が出場する。

eSportsイベント団体X Division（クロスディヴィジョン）が開催する、『VALORANT』のコミュニティ大会。

『名探偵コナン』の世界とリアルが融合した新しい形の参加型エンターテインメント

リラックマとすみっコぐらしが夢のコラボレーション☆楽しい仕掛けやフォトスポットなど、ここでしか体験できないワクワクが盛りだくさん！

朗読劇「リスナーたちの星空」の特設ページです。

舞台「D.C.Ⅲ ～ダ・カーポⅢ～君と旅する時の魔法」#舞台DC3｜劇団飛行船 映劇ライヴエンタテイメントによる公式サイト、TOPページです。＜2021月11月17日(水)～21日(日) 全9公演｜ニッショーホール＞「D.C. ～ダ・カーポ～」シリーズ初の舞台化！【出演】新田恵海（森園立夏／リッカ・グリーンウッド）、藤邑鈴香（芳乃シャルル／シャルル・マロース）、佐々木未来（葛木姫乃）、髙橋麻里（瑠川さら／サラ・クリサリス）、石丸千賀（陽ノ下葵／陽ノ本葵）、黒木美紗子（美琴）、工藤博樹（杉並）、福原英樹（江戸川耕助）、清水優莉（江戸川四季）、北原知奈（ジル・ハサウェイ）、櫻井尚輝（声のみ出演／芳乃清隆）、篠原ありさ（アンサンブル）

舞台「D.C.Ⅲ ～ダ・カーポⅢ～君と旅する時の魔法」#舞台DC3｜劇団飛行船 映劇ライヴエンタテイメントによる公式サイト、TOPページです。＜2021月11月17日(水)～21日(日) 全9公演｜ニッショーホール＞「D.C. ～ダ・カーポ～」シリーズ初の舞台化！【出演】新田恵海（森園立夏／リッカ・グリーンウッド）、藤邑鈴香（芳乃シャルル／シャルル・マロース）、佐々木未来（葛木姫乃）、髙橋麻里（瑠川さら／サラ・クリサリス）、石丸千賀（陽ノ下葵／陽ノ本葵）、黒木美紗子（美琴）、工藤博樹（杉並）、福原英樹（江戸川耕助）、清水優莉（江戸川四季）、北原知奈（ジル・ハサウェイ）、櫻井尚輝（声のみ出演／芳乃清隆）、篠原ありさ（アンサンブル）

株式会社フルーツポット（fruitpot）。音声作品・イベント開催・アロマミストを手掛けます。

桂正和〜キャラクターデザインの世界展〜 2022/4/27(水)〜5/8(日)　池袋・サンシャインシティ 展示ホールC 文化会館ビル3階

今年もネット開催決定！！超会議期間中(4月23日～30日）に「声優」に特化したイベントを行います！

「週刊少年マガジン」で連載中の『東京卍リベンジャーズ』の原画展が2022年に開催決定！